12 besten Nazi-Filme aller Zeiten

Mit dem Aufstieg der nationalsozialistischen Ideologie erlebte die Welt ihre dunkelsten Zeiten. Von einem Land, das vollständig von den satanischen Kriegsverbrechen verschlungen ist, bis zu unzähligen Menschen, die unter dem Glauben an 'Reinheit' sterben, ist es kein Geheimnis, dass der Teufel selbst auf die Erde herabgestiegen ist.

Während es unmöglich ist, solche dunklen Zeiten von unserer Vorstellungskraft zu erfassen, haben verschiedene Filmemacher versucht, die Gedanken der Menschheit in dieser schrecklichen Ära niederzuschreiben. Während einige in der Lage waren, inspirierende Filmkreationen zu verstehen und hervorzubringen, haben andere dies nicht getan. Diese Filme haben jedoch das Zeitalter des Nationalsozialismus mit filmischer Schönheit gezeigt. Diese Filme erfinden das Ereignis des Holocaust nicht unbedingt neu. da gibt es dafür eine separate Liste , aber produzieren Sie das Kunstwerk, das Krieg, Tod, Verlust und Traurigkeit kommentiert. Es ist wichtig zu verstehen, dass einige Filme zwar filmisch überlegen sind, die Rangfolge jedoch auf der Beobachtung und Einführung von Nazi-Themen basiert und nicht auf den rein filmischen Allegorien. Also, ohne weiteres, hier ist die Liste der Top-Filme, die Nazi-Filme jemals gemacht haben. Sie können einige dieser Nazi-Filme auf Netflix, Hulu oder Amazon Prime ansehen.



12. Urteil in Nürnberg (1961)



Unter der Regie des erfahrenen Regisseurs Stanley Kramer zeigt 'Judgement at Nuremberg' eine fiktive Version des Judges 'Trial von 1947, das eines der zwölf US-Militärgerichte während der nachfolgenden Nürnberger Prozesse war. Der Film wird von den brillanten Darbietungen der Hauptdarsteller geleitet und Kramers Regie erhöhte die Gerichtssaalatmosphäre des Films. Der Film bringt die humanistischen und philosophischen Ideen des Regisseurs und die autoritäre Aura eines Gerichtssaal-Dramas in Einklang. Die Filme greifen das Thema und die außergewöhnlichen Leistungen der Besetzung mit immensem kritischen Erfolg auf. Der Film gewann mehrere renommierte Preise, darunter 2 Oscar-Verleihungen, 2 Golden Globes und eine Einführung in den „zehntbesten Film des American Film Institute im Gerichtssaal“ Genre'.

11. Mephisto (1981)



Als erster ungarischer Film, der bei den Oscar-Verleihungen den Preis für den besten fremdsprachigen Film gewann, folgt 'Mephisto' einem deutschen Bühnenschauspieler, der unerwarteten Erfolg und gemischten Segen in der Popularität seiner Leistung in einem Faust-Stück findet, wie es die Nazis nehmen Macht in Deutschland vor dem Zweiten Weltkrieg. Während seine Mitarbeiter und Freunde vom Nazi-Terror fliehen oder unter Druck geraten, ersetzt die Popularität seines Charakters seine eigene Existenz, bis er feststellt, dass seine beste Leistung darin besteht, den Schein für seine Nazi-Gönner aufrechtzuerhalten. Der Film schwingt mit Inspiration und Innovation mit. Unter der Regie von István Szabó ist „Mephitso“ ein Kommentar zu den Heldentaten der Nazis, die einen Einfluss auf die menschliche Psyche hatten. Mit einem zusammenhängenden Drehbuch des Trios Péter Dobai, Klaus Mann und István Szabó sowie einer beeindruckenden Kinematographie von Lajos Koltai und einer Echo-Hintergrundpartitur von Zdenko Tamassy.

10. Das Leben ist schön (1997)

Eine unverwechselbare Interpretation des Konzentrationslagers der Nazis, 'Life Is Beautiful' oder 'La vita è bella', ist ein italienisches Komödiendrama, das das Leben eines jüdischen Bibliothekars und seines Sohnes nachzeichnet, der nach seiner Festnahme durch die Nazis Humor einsetzt, um sein Leben zu schützen Sohn von den Gefahren rund um ihr Lager. Unter der Regie von Roberto Benigni untersucht der Film die Themen Willenskraft, Fantasie und Unschuld in einer der qualvollsten Zeiten der Menschheitsgeschichte. Der Film, in dem der Regisseur selbst als fürsorglicher Libertär Guido Orefice auftritt, ist von seiner komödiantischen Sensibilität geprägt.



Die Erzählung neben Benigni wurde von Vincenzo Cerami geschrieben, der mit absoluter Geschicklichkeit aus Rubino Romeo Salmonis 'Am Ende habe ich Hitler geschlagen' adaptiert wurde. Hinzu kommt die atemberaubende Musik von Nicola Piovani, die das witzige komödiantische Timing und den Kummer ergänzt, der durch den Niedergang der Gletscher sickert. Tonino Delli Collis lebendige Kinematographie fängt die kleinen Feinheiten der Konzentrationslagereinstellungen mit lobenswerter Technik und Vision ein.

9. Der große Diktator (1940)

Als Teil von Charlie Chaplins Übergang zu Tonfilmen brachte 'The Great Dictator' stechende Satire und Parodie zum Genre der 'Nazifilme' zusammen. Der Film wurde in einer Zeit produziert, in der die Gräueltaten des Holocaust noch nicht untersucht worden waren, und erhielt mehrere Kritikpunkte für Chaplins scheinbar komische Einstellung zu diesem Thema. Der Film von 1940 sticht jedoch mit politischer Allegorie und Satire hervor, die das strenge Regime und die Unmenschlichkeit kommentiert, die durch die Adern des Landes sickerten. Der Film untersucht die Rollen eines jüdischen Friseurs im Ghetto und Adenoid Hynkel, Diktator von Tomania, einer Parodie auf Deutschland und Adolf Hitler. Er zeichnet ihre Identität nach und verwebt sie mit Chaplins Komödie. Als kritischer und kommerzieller Erfolg gilt der Film als eines der wichtigsten Werke der Satire, das von der Library of Congress für die Aufbewahrung im National Film Registry der Vereinigten Staaten ausgewählt wurde.

8. Auf Wiedersehen Kinder (1987)

Ein autobiografischer Film, 'Au revoir les enfants', folgt der Bindung, die zwei Schüler an einem Internat im von den Nazis besetzten Frankreich teilen, als einer erfährt, dass der andere ein Jude ist, der sich vor den Nazisoldaten versteckt. Der von Louis Malle inszenierte und geschriebene Film untersucht die erschütternden Realitäten des Regimes und die Unschuld, die durch die politische Propaganda zerrissen wird. Der Film mit Gaspard Manesse als Julien Quentin und Raphaël Fejtö als Jean Kippelstein fängt die kindliche Glückseligkeit und unsterbliche Freundschaft in den Schrecken des Krieges perfekt ein.

Die deskriptive Kinematographie von Renato Berta fängt die verschmutzte Verwaltung und die vergifteten akademischen Institutionen ein, die von der skrupellosen Nazi-Regierung regiert wurden. Die innovative und ermutigende Einstellung des Films zu Jugend und Freundschaft war ein kritischer und kommerzieller Erfolg. Mit dem artikulierten Drehbuch des angesehenen „Gallimard“ und dem mit 7 César Awards ausgezeichneten Film hat sich „Au revoir les enfants“ als einer der wichtigsten Filme über den Nationalsozialismus etabliert.

7. Untergang (2004)

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Mit Bruno Ganz als Adolf Hitler zeichnet 'Downfall' oder 'Der Untergang' die Erinnerungen von Alexandra Maria Laras Traudl Junge nach, der letzten Sekretärin von Adolf Hitler, die von den letzten Tagen des Diktators in seinem Berliner Bunker am Ende des Zweiten Weltkriegs erzählt. Unter der Regie von Oliver Hirschbiegel adaptiert der Film die Romane 'Inside Hitlers Bunker' (1945) von Joachim Fest und 'Bis zur letzten Stunde' (1947) von Traudl Junge und Melissa Müller in die filmische Darstellung. Der Film ist eine wörtliche Interpretation des Titels und wurde aus der Perspektive von Junge konzipiert, die ihre Schande und Schuld zum Ausdruck bringt, Hilter in ihrer Jugend zu bewundern. Der vom Drehbuch von Bernd Eichinger geschriebene Film basiert auf den Figuren und nicht ausschließlich auf der Handlung oder der Erzählung. Dies war jedoch mit Kosten verbunden, da mehrere Kritiker von Filmmagazinen und Zeitungen die Entscheidung des Regisseurs in Frage stellten, Hitlers 'humane' Seite zu präsentieren.

Der Film ist bequem auf den festen Schultern des Schauspielers Bruno Ganz angesiedelt, dessen Forschungsarbeit und Studien zum Lebensstil, zur Sprache und zur Körpersprache des Diktators sich in einer atemberaubenden Leistung ausgezahlt haben. Die innovative Version des schrecklichen Tyrannen brachte dem Film eine Reihe von Lob von Forschern, Biographen und Filmkritikern ein.

6. Das Boot (1981)

Das Boot, ein deutscher Kriegsfilm, geschrieben und inszeniert von Wolfgang Petersen, erzählt den turbulenten Zweiten Weltkrieg anhand der fiktiven Geschichte von U-96 und seiner Crew. Peterson verkörpert Angst, Erheiterung, Traurigkeit und Macht und zeigt meisterhaft ein Gefühl von Klaustrophobie und Zeitliquidität. Der Film steckt voller technischer Brillanz und ist völlig in die Ideologie von Krieg, Zerstörung und Melancholie verstrickt. Der Hintergrund des Weltkrieges lässt die schreckliche Realität in die Adern der Zuschauer kriechen und die fiktive Geschichte hilft dem Regisseur, ihre emotionale moralische Grundlage zu formen.

Obwohl der Film kein sofortiger finanzieller Erfolg war, gewann er die kritischen Klatschen und erhielt sechs Oscar-Nominierungen, einen BAFTA-Preis und einen DGA-Preis. Im Laufe der Zeit wurde Petersens raffiniertes Werk zu einem der größten Filme aller Zeiten.

5. Casablanca (1942)

Casablanca, der als einer der größten Filme des Weltkinos bezeichnet wird und im zeitgenössischen Zweiten Weltkrieg spielt, konzentriert sich auf den amerikanischen Expatriate Rick Blaine, der von Humphrey Bogart geschrieben wurde und zwischen seiner Liebe zu einer Frau und der Hilfe für sie und ihren Ehemann wählen muss , ein tschechischer Widerstandsführer, flieht aus der von Vichy kontrollierten Stadt Casablanca, um seinen Kampf gegen die Nazis fortzusetzen. Der Film schwingt mit Inspiration und Erlösung mit. Unter der Regie von Michael Curtiz zeichnet sich „Casablanca“ durch soziologische Konzepte aus und analysiert soziale Klasse, Rasse, Opfer und viele andere. Mit einem zusammenhängenden Drehbuch des Trios Julius J. Epstein, Philip G. Epstein und Howard Koch ist der Film aus 'Everybody Comes to Rick's' von Murray Burnett und Joan Alison adaptiert. Zum meisterhaften Status des Films tragen die meisterhafte Kinematographie von Arthur Edeson und eine Echo-Hintergrundpartitur von Max Steiner bei.

Mit 3 Oscar-Verleihungen und einer Reihe unvergesslicher Charaktere, Momente und Bilder definierte „Casablanca“ die Kunst neu und etablierte sich als eine der größten Kreationen des Weltkinos.

4. Armee der Schatten (1969)

Unter der Regie von Jean-Pierre Melville zeichnet 'Army of Shadows' oder 'L'armée des ombres' das Leben von unterirdischen Widerstandskämpfern im von den Nazis besetzten Frankreich nach. Der als Dokumentarfilm gedrehte Film zeigt die ineinander verschlungenen Geschichten mehrerer Mitglieder des französischen Widerstands. Der Film trotzt jeder Art von Genrekategorisierung und bietet einen Thriller, eine Spionagegeschichte und eine heldenhafte Reise. Während der Film seine Charaktere als heldenhaft darstellt, zeigt der Film eine trostlose, unromantische Sicht auf den Widerstand. Während der gemessene Ansatz, das von den Nazis besetzte Frankreich wahrzunehmen, ärgerlich langweilig gewesen sein könnte, machte ihn die unverhohlene Einstellung des Films zu den Missbräuchen der Nazis zu einem lobenswerten Kunstwerk.

Mit solch einem dreisten Ansatz ging jedoch enorme Kritik einher. Französische Kritiker prangerten den Film wegen seiner wahrgenommenen Verherrlichung von Charles de Gaulle an, was dazu führte, dass er an der Abendkasse völlig scheiterte und keine weltweite Veröffentlichung erhielt. Mitte der neunziger Jahre veröffentlichte „Cahiers du Cinema“ jedoch eine Neubewertung des Films, die 2006 zu seiner Restaurierung und Wiederveröffentlichung führte. Er hat sich letztendlich selbst wiederbelebt und gilt seitdem als eines der besten Werke des Weltkinos.

3. Der Pianist (2002)

Es erfordert ein gewisses Maß an Zauberei, um die Wärme der Musik und die Schrecken der Nazi-Heldentaten zu vereinen. Roman Polanski ist ein Zauberer. Das biografische Drama „Der Pianist“ erzählt die Geschichte des polnisch-jüdischen Musikers Władysław Szpilman, der von Adrien Brody geschrieben wurde, und seine Kämpfe, um die Zerstörung des Warschauer Ghettos des Zweiten Weltkriegs zu überleben. Basierend auf den Memoiren des oben genannten Pianisten setzt der Film die Kunst parallel zum Krieg und zeigt die eindringliche Realität. Das vom Schriftsteller Ronald Harwood adaptierte Drehbuch ist eine poetische Schönheit. Die melancholische Aura fungiert als Charakter und legt den Grundstein für Szpilmans künstlerische Kreationen und die Tragödie, die durch Deutschland sickerte.

Der Regisseur und Autor wird durch Wojciech Kilar ergänzt, dessen Hintergrundpartitur Schüttelfrost auslöste, und Paweł Edelmans Kinematographie, die die Angst vor der Menschheit mit Schärfe verkörperte. Der Film erhielt großes kritisches Lob und gewann die „Palme d'Or“ bei den Filmfestspielen von Cannes, 3 Oscar-Preise für „Bester Schauspieler in einer Hauptrolle“, „Bester Regisseur“ und „Bestes Schreiben, angepasstes Drehbuch“, 2 BAFTA Awards für „Bester Film“ und „Beste Regie“ sowie 7 französische Césars, darunter „Bester Film“, „Bester Regisseur“ und „Bester Schauspieler“, um nur einige zu nennen.

2. Shoah (1985)

In einem französischen Dokumentarfilm präsentiert Shoah die Interviews von Regisseur Claude Lanzmann mit Überlebenden, Zeugen und Tätern bei Besuchen deutscher Holocaust-Stätten in ganz Polen, einschließlich Vernichtungslagern. Was diesen Film zu einem so wichtigen Film macht, der die Gräueltaten der Nazis dokumentiert, ist die Atmosphäre der persönlichen Interaktion, die Lanzmann zwischen seiner Arbeit und dem Publikum geschaffen hat. Der Dokumentarfilm von 1985 zeigt zerebral das Trauma, das die Holocaust-Überlebenden durchgemacht haben, und wie ihr Leben davon beeinflusst und regiert wurde.

Das Kinematografieteam, bestehend aus Dominique Chapuis, Jimmy Glasberg, Phil Gries und William Lubtchansky, leistet bemerkenswerte Arbeit, indem es sich eher auf die Befragten als auf den Interviewer konzentriert und deren Emotionen und Gefühle einfängt. Lanzmanns Bemühungen katapultierten den Film jedoch mit seinen brillanten Forschungsfähigkeiten zu einer Sensation. Dem Regisseur gelingt es nicht nur, die Überlebenden zu fangen, sondern auch die Männer, die für diese Zerstörung verantwortlich sind. Die gemeinsamen Anstrengungen des Teams brachten dem Film ein immenses Lob ein, einige nannten es sogar „den größten Dokumentarfilm über die Zeitgeschichte, der jemals gedreht wurde“. Der Film wurde von mehreren angesehenen Kritikern wie Richard Brody, François Mitterrand und Roger Ebert als Meisterwerk gefeiert, um nur einige zu nennen.

1. Schindlers Liste (1993)

Das NS-Regime wurde als eine der grausamsten, qualvollsten und herzzerreißendsten Zeiten der Menschheitsgeschichte dokumentiert. Im Kampf ging es jedoch nicht nur um die politische Propaganda. Es ging um den inneren Kampf, sich gegen solch eine schreckliche Realität zu behaupten, und Steven Spielberg schlug den Akkord mit Eleganz und Beredsamkeit.

Der Film mit Liam Neeson als Oskar Schindler erzählt von seiner historischen Leistung, das Leben von mehr als tausend meist polnisch-jüdischen Flüchtlingen vor dem Holocaust zu retten, indem er sie während des Zweiten Weltkriegs in seinen Fabriken einsetzte. Neesons ermutigende Leistung wird durch den eindringlichen Diskurs von Ralph Fiennes als SS-Offizier Amon Göth und die unermüdliche Unterstützung von Ben Kingsley als Schindlers jüdischem Buchhalter Itzhak Stern ergänzt.

Basierend auf Thomas Keneallys Roman 'Schindlers Arche' (1982) basiert der Film auf der künstlerisch meisterhaften Zusammenarbeit zwischen dem Regisseur und dem Drehbuchautor Steven Zaillian. Der artikulierte narrative Diskurs der verfallenden Menschheit spielt parallel zu Schindlers humanistischer Reise von einem opportunistischen Geschäftsmann zu einer Heldenfigur. Das ausdrucksstarke Drehbuch perfektioniert Janusz Kamińskis ausdrucksstarke Kinematographie, die die kontextuellen Untertöne der Vision des Regisseurs perfekt festlegt. Da der gesamte Film in Schwarzweiß gedreht wurde, werden die melancholischen Konnotationen durch die historische Genauigkeit erhöht. Die gesamte Anstrengung wird durch John Williams 'eindrucksvolle Hintergrundpartitur buchstäblich dargestellt.

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