100 besten Filme aller Zeiten

Alejandro Jodorowsky Prullansky, der berühmte chilenisch-französische Filmregisseur, Dichter, Dramatiker und Musikkomponist, sagte einmal:'Ich habe immer gedacht, dass das Kino von allen Künsten die vollständigste Kunst ist.'Genau. In mehrfacher Hinsicht ist Kino tatsächlich eine Verschmelzung aller anderen wichtigen Kunstformen: Malen, Schreiben und Musik. Es ist kein Zufall, dass das Kino auch die modernste Kunstform ist. Schließlich war die Entwicklung anderer Kunstformen notwendig, damit das Kino entstehen konnte. Die Tatsache, dass es fast von Anfang an die beliebteste Kunstform bleibt, zeigt sowohl seine Stärke als auch seine Schwäche: Es ist leicht zugänglich und daher kommerzialisierbarer.

In diesem Sinne freue ich mich, Ihnen die Liste der Cinemaholic präsentieren zu können100 besten Filme aller Zeiten. Bevor Sie sich mit unserer Liste der 100 besten Filme befassen, die jemals gedreht wurden, möchten wir uns noch einmal daran erinnern, dass Listen von Natur aus niemals perfekt sind. Wir behaupten also nicht, dass dies der Heilige Gral der Liste der absolut besten Filme der Welt ist. Was ich Ihnen jedoch versichern kann, ist, dass viel Forschung dahinter steckt, diese Liste zusammenzustellen. Tausende von Filmtiteln wurden berücksichtigt und jede endgültige Auswahl wurde diskutiert. Ich bin sicher, Sie werden viele Ihrer Lieblingsfilme in der Liste finden. Viele meiner Favoriten fehlen auch! Aber anstatt frustriert zu sein, nutzen Sie diese Gelegenheit, um die Filme zu sehen, die Sie noch nicht gesehen haben. Wer weiß, vielleicht entdecken Sie am Ende Ihre neuen Favoriten!



100. Die Regenschirme von Cherbourg (1964)



Jacques Demy färbt seine romantische Oper mit einer sanften, übermäßigen Raffinesse, die sich als ein bisschen Hipster herausstellt. Aber diese Farbe ist nicht nur die an den Wänden, den Kleidern und den Regenschirmen. Es ist auch auf den Wangen eines jungen Mädchens, das unglaublich verliebt ist, als sie die Straße überquert, um ihren Geliebten und seine Abwesenheit zu begrüßen, wenn wir dieses Gesicht in einem Schleier sehen, das junge Mädchen jetzt die Braut eines anderen. Es gibt auch Farbe in der Art und Weise, wie Menschen sprechen oder genauer gesagt, miteinander singen. Aber ihre lyrischen Gespräche reimen sich nicht wie die meisten Songs. Wenn alles, von Liebesberufen bis hin zu Geldsorgen, mit ununterscheidbarer Leidenschaft verbunden ist, würde es Ihnen nicht viel nützen, nach Reim oder Vernunft zu fischen. Während der Film und all seine melodischen Enthüllungen, unterstützt von Michel Legrands überirdischer Musik, herzzerreißend romantisch sind, sind alle Entscheidungen, die unsere Charaktere treffen, wie alles im Leben entschieden nicht so.

Für eine so langwierige Handlung, die als Grundlage unzähliger Popsongs und Seifenopern angesehen wurde, ist jeder melancholische Rahmen von „The Umbrellas of Cherbourg“ verführerisch frisch und sogar ungewohnt. Sie können das darauf zurückführen, wie echt die Emotionen sind und wie aufrichtig ihr Ausdruck ist. „Regenschirme“ arbeiten auf einer so bescheidenen Skala wie sie und verwüsten Sie mit den kleinsten Reflexionen. Ich war verblüfft darüber, wie stark die Wirkung von zwei leeren Stühlen sein konnte, die einst von den beiden Liebenden gefüllt wurden. In Demys liebevoll gemachter Delikatesse marschieren wir in Karnevalen, die mit Bändern und Konfetti gefüllt sind, wir schmücken Weihnachtsbäume und geben uns gegenseitig Geschenke, wobei wir all unsere Gefühle irgendwo in die Winkel unseres Herzens stecken, denn egal wie schwer die Abwesenheit eines Menschen zu ertragen ist oder Vergangenheit ist zu vergessen, alles was wir tun können, ist in der Fantasie von heute zu leben.



99. Trainspotting (1996)

Es ist ein wenig schwierig, den Cinephilen wie uns den Fanatismus von 'Trainspotting' zu erklären. Es kam zu einer Zeit, als die Realität der Drogen gerade erst einsetzte. Man würde sagen, dass sie den Drogenmissbrauch verherrlichte und bis zu einem gewissen Grad wahr ist. Die Tatsache, die daraus hervorging, war Danny Boyles Versuch, die Höhen und Tiefen des Drogenmissbrauchs aufzuzeigen, ohne Partei zu ergreifen. 'Trainspotting' ist ein Kultfilm, der die Geschichte von vier Freunden und ihren Suchtkranken erzählt. Unverschämt und bizarr sind die einzigen zwei Wörter, die es beschreiben. Ein Drogenabhängiger, der sauber werden will, nur um bei jedem Schritt ins Stocken zu geraten, weil er den tiefsten Drang hat, hoch zu kommen. Großzügig mit Humor überdosiert, versucht der Film eine Tatsache mit äußerster Ernsthaftigkeit zu unterstreichen: Trotz des Luxus, den das Leben bietet, bestreitet die Jugend sie mit viel Selbstbewusstsein. Und die Gründe? Es gibt keine Gründe. 'Wer braucht Gründe, wenn du Heroin hast?'

98. Der Absolvent (1967)

Ah, die Tage der Jugend! Sorglos und freudig. Spaß ohne Sorgen. Keine Sorge um die Vergangenheit, die zurückgelassen wurde, und keine Sorge um die Zukunft, die noch kommen wird. Benjamin Braddock führte dieses sorglose Leben nach seinem College-Abschluss. Und als er schließlich in seine Heimatstadt zurückkehrte, traf er dort Frau Robinson. Die Flamme einer Affäre beginnt zu brennen. Das Leben nimmt eine verschlagene Wendung, als der junge Ben Sex für Kameradschaft hält. Es wird auf den Kopf gestellt, als er sich in ihre Tochter verliebt. 'The Graduate' ist ein zum Nachdenken anregender Film im Gewand einer Komödie und einer der lustigsten Filme aller Zeiten. In der Hauptrolle von Dustin Hoffman steht die ikonische Linie: 'Mrs. Robinson, versuchen Sie mich zu verführen?'



97. Das Doppelleben von Veronique (1991)

Vielleicht hat kein anderer Filmemacher Frauen so tiefgreifend emotional verstanden wie Krzysztof Kieslowski. Der Mann liebte sie einfach und zeigte sie mit solcher Leidenschaft und Intimität, dass Sie nicht anders können, als sich von ihrer rohen emotionalen Kraft verliebt zu fühlen. 'The Double Life of Veronique' könnte seine größte künstlerische Leistung sein. Der Film handelt von einer Frau, die das Gefühl bekommt, nicht allein zu sein und dass ein Teil ihres Lebens irgendwo auf der Welt in einer anderen Seele lebt. Veronique und Weronika sind die beiden identischen Frauen, die sich nicht kennen und dennoch eine geheimnisvoll intime emotionale Verbindung zwischen ihnen teilen. Slawomir Idziaks hochstilisierte Kinematographie malt den Film mit einem zart melancholischen Gefühl, das Sie einhüllt und nicht loslässt. Es gibt Gefühle und Emotionen, die wir nur schwer in Worte fassen können, und der Film belebt diese unerklärlichen Gefühle nachdenklicher Traurigkeit und Einsamkeit. 'The Double Life of Veronique' ist ein atemberaubendes Kunstwerk, das die menschliche Seele in all ihren schönen Schwächen und Zärtlichkeiten darstellt.

96. Cinema Paradiso (1988)

Viele Menschen betrachten das Kino als Genuss, als Freizeitbeschäftigung, als Vergnügen, das keinerlei Auswirkungen auf das Leben hat. Aber ich kann mit einer Armee von leidenschaftlichen Cinephilen, die mich inbrünstig unterstützen, mit absoluter Überzeugung feststellen, dass Kino für das Leben genauso notwendig ist wie das Leben für das Kino. Und 'Cinema Paradiso' ist eine schöne, wenn auch ironische Art, meinen Standpunkt zu vertreten. Der erfolgreiche Filmregisseur Salvatore kehrt eines Tages nach Hause zurück, um die Nachricht zu erhalten, dass Alfredo gestorben ist, woraufhin er in seine Heimatstadt im Sizilien der 1950er Jahre zurückblickt. Der junge und boshafte Salvatore (Spitzname Toto) entdeckt eine dauerhafte Liebe zu Filmen, die ihn in das Dorffilmhaus Cinema Paradiso lockt, wo Alfredo Projektionist ist. Nachdem er sich für den Jungen interessiert hat, wird der alte Bub für ihn zu einer väterlichen Figur, da er Toto akribisch die Fähigkeiten beibringt, die das Sprungbrett für seinen Erfolg beim Filmemachen sein würden.

Toto und Alfredo dabei zuzusehen, wie sie mit Ehrfurcht über das Kino diskutieren, und zu sehen, wie Alfredo durch klassische Filmzitate Ratschläge für das Leben gibt, ist pure Freude. In Totos Coming-of-Age-Geschichte beleuchtet 'Cinema Paradiso' die Veränderungen im italienischen Kino und den aussterbenden Handel mit traditionellem Filmemachen, Schnitt und Filmvorführung, während er den Traum eines Jungen erforscht, seine kleine Stadt zu verlassen, um in die Außenwelt vorzudringen. Einer der besten 'Filme über Filme', ​​die es je gab.

95. Einer flog über das Kuckucksnest (1975)

Eine dieser seltenen Filmerlebnisse, bei denen Sie eine Vielzahl von Emotionen gleichzeitig spüren. Es ist in Teilen lustig, in einigen erhebend und in anderen geradezu herzzerreißend. Es ist auch eine der anderen seltenen Leistungen im simplen, effektiven Geschichtenerzählen, das von Randle McMurphy erzählt, einem Verbrecher, der in der Hoffnung, der Gefängniszeit zu entgehen, vorgibt, psychisch krank zu sein, und sich wegen Wahnsinns nicht schuldig bekennt. Bei seiner Ankunft in einer Nervenheilanstalt rebelliert er gegen die autoritäre Krankenschwester Rached (gespielt von einer stählernen Louise Fletcher) in einem klassischen Szenario zwischen Ordnung und Chaos. Der Film zeigt, dass es in der Tat niemanden gibt, der Charaktere mit Schlag und Charme gleichermaßen besser spielen kann als Jack Nicholson selbst, was ihm einen verdienten Oscar für seine Leistung im Film einbringt. Was als dauerhafter und herzerwärmender Film beginnt, eskaliert nach verstörenden Szenen mit Selbstmord und Elektrokrampftherapie bei Patienten zu einem tragischen, wenn auch hoffnungsvollen Ende. Der Film lässt jedoch niemals die Aufmerksamkeit und das Pathos des Zuschauers für die Figuren auf dem Bildschirm los und ruft echte Emotionen hervor und jubelt dem menschlichen Geist zu, der selbst angesichts unerwiderter Autorität ausstrahlt.

94. Pyaasa (1957)

Pyaasa war dicht mit Ideen des sozialen Wandels und vernichtenden Kommentaren zu den amtierenden Bosheiten und Stigmen der Gesellschaft und verkörperte nicht nur das goldene Zeitalter des indischen Kinos, sondern war auch ein Spiegelbild des indischen Bourgeois selbst. Es ist ein Film von subtiler Qualität, in dem alle dreisten Wahrheiten und harten Realitäten der Gesellschaft unter der Oberfläche köcheln und darauf warten, vom aufmerksamen Publikum erkundet und extrapoliert zu werden. 'Pyaasa' ist ein zeitloser Klassiker, nicht ohne Grund. Auch nach 60 Jahren seiner Veröffentlichung bleibt es in der Neuzeit relevant, da Indien weiterhin von denselben gesellschaftlichen Flüchen geplagt wird - Korruption, Frauenfeindlichkeit, Materialismus -, die „Pyaasa“ direkt oder indirekt anspricht.

93. Modern Times (1936)

'Modern Times' ist ein humorvoller Film mit einer starken Botschaft. Dieses Bild trägt Chaplins Markenzeichen Themen wie Hoffnung und Armut und konzentriert sich auf die nachteiligen Auswirkungen, die Maschinen und andere Formen des technologischen Fortschritts auf das Volk haben, indem es einen Fabrikarbeiter ins Rampenlicht rückt, dessen Leben viele Wendungen durchläuft, während er versucht mit der neuen Welt fertig werden. Obwohl der Slapstick tränenreich lustig ist, ist alles in einem Gefäß der Traurigkeit enthalten. 'Modern Times' verwendet intelligente, subtile Elemente, um hin und wieder wichtige philosophische Fragen zu stellen. Der Höhepunkt ist einer der berührendsten überhaupt und beinhaltet eine traurige Form des Glücks und keine wirkliche Antwort oder Lösung. Dieser Film ist möglicherweise Chaplins am besten geschriebenes Werk, und es ist überraschend, wie relevant die hier vorgestellten Ideen auch heute noch sind. Der Weg der Moderne, ihre Gedanken zu teilen, ist zweifellos der beste Aspekt dieses filmischen Triumphs.

92. Die dünne rote Linie (1998)

Terrence Malick Die Rückkehr zum Filmemachen nach einer 20-jährigen Pause war geprägt von diesem atemberaubenden Kriegsdrama, das nicht den Krieg, sondern die Emotionen des Krieges untersucht. Der Film ist von Natur aus Malick-ian, wobei der Schwerpunkt mehr auf der Grafik als auf der Geschichte liegt, sodass Sie die Erfahrung des Films genießen können. Das Genie des Films liegt in Malicks Vision, Schönheit in etwas so Dunklem und Blutigem wie Krieg zu sehen. Es braucht ein absolutes Genie, um etwas so Brutales und Blutiges wie Krieg in eine hypnotische Erfahrung zu verwandeln, die die Realitäten des Krieges übersteigt und Sie stattdessen in die Emotionen seiner Charaktere eintauchen lässt. Es ist eine so eindringliche Erfahrung, dass Sie die Menschen hinter Waffen und Bomben fühlen müssen. Dies sind zerstörte Seelen wie wir, die sich nach einer zarten Berührung sehnen und die Wärme des Atems ihrer Liebhaber und Frauen vermissen, während sie sich mit den hässlichsten Realitäten auseinandersetzen müssen, die weit von ihnen entfernt sind. 'The Thin Red Line' ist ganz einfach eine Erfahrung wie keine andere. eine, die gesehen, gefühlt und reflektiert werden muss.

91. Blade Runner (1982)

Ich glaube, der Final Cut von Ridley Scotts 'Blade Runner' ist der größte dystopische Film, der jemals gedreht wurde. Obwohl Metropolis eine umstrittene Wahl ist, muss man die unechten Bilder beobachten, die mit dem deutschen expressionistischen Kino verbunden sind. 'Blade Runner' hingegen ist mehr als perfekt, um eine Welt aufzubauen, die unter finanzieller Ungleichheit, Bevölkerungsboom und Mangel an etwas Natürlichem leidet, weil selbst Fleisch hier nicht vertrauenswürdig ist. Die funkelnde Beleuchtung ist kontextuell natürlich, da es sich um eine elektronische Welt handelt und Jordan Cronenweth sie ähnlich wie die alltäglichen Beleuchtungsobjekte im Film Noir verwendet. Es mag zwar keine so weitreichenden Fragen aufwerfen wie 'A Space Odyssey', aber wir fragen uns, ob 'Androiden von elektrischen Schafen träumen'.

90. Fargo (1996)

'Fargo' ist gewalttätig, lustig, warm und brutal intensiv und einer der besten amerikanischen Filme der 90er Jahre und eines der größten Krimis, die je gedreht wurden. Der Film handelt von einem Mann, der zwei Männer anstellt, um seine Frau zu entführen und Geld von seinem reichen Schwiegervater zu erpressen. Die brillante Verwendung von dunklem Humor durch Coen Brothers durchdringt den Film mit einem Hauch von Wärme, der dem Film einen sehr charakteristischen Ton verleiht. Es ist diese meisterhafte Mischung aus Komödie, Drama und Gewalt, die 'Fargo' zu einem unvergesslichen Kinoerlebnis macht. Diese wunderschöne Eröffnungsaufnahme eines schneebedeckten Minnesota, wunderschön ergänzt durch eine eindringliche Partitur, gibt den Ton für den Film an und schafft ein Gefühl tiefer Traurigkeit, das unter der Gewalt und dem Humor liegt, mit denen der Film gefüllt ist. Frances McDormand ist eindeutig der Star des Films und stiehlt die Show. Sie porträtiert einen schwangeren Polizeichef, der in einer Welt des Bösen und der Brutalität gefangen ist, aber Licht und Hoffnung findet. 'Fargo' ist ein emotional rohes, brutal intensives, liebenswert lustiges und schmerzlich realistisches Stück reines Kino.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' ist ein Lehrbuch über atmosphärischen Horror. Dieser Film erzählt die Geschichte eines Mannes mit seltsamen Haaren, der versucht, eine Art Familie alleine zu erziehen, und verwandelt sich mit jeder Minute mehr in einen surrealen Albtraum. David Lynchs Debüt verwendet Ton und Nahaufnahmen, um ein Gefühl klaustrophobischer Angst zu vermitteln, und richtet dies auf eine Handlung aus, die auf den ersten Blick wenig Sinn macht. Es erweist sich als eines der besten des Master-Regisseurs, was an sich schon ein großes Lob ist. Was „Eraserhead“ tut, ist eine dystopische Welt zu schaffen - übersät mit hässlichen Gebäuden und mechanischen Geräten, die in bösartiges Schwarzweiß getaucht sind - und Charaktere hineinzuwerfen, die mehr oder weniger durch ihre Umgebung verwirrt sind. Während es nahezu unmöglich ist, die „Bedeutung“ dieses Bildes herauszufinden, muss man erkennen, dass dies niemals die Absicht ist. 'Eraserhead' vermittelt dem Publikum ein Gefühl des völligen Unbehagens, indem es sowohl seine visuellen als auch seinen surrealen Stil verwendet, und findet einen Weg, ihre Gedanken zu manipulieren. Nur eine Handvoll Bilder sind so schön strukturiert und doch unbestreitbar bedrohlich wie dieses, und das kann nur jemand wie Lynch schaffen.

88. Kindheit (2014)

'Boyhood' ist eine schöne Erinnerung an die vergangenen Jahre ungehemmter Freude, unerschütterlichen Optimismus und sprudelnder Unschuld. Es beruht darauf, Schönheit, Freude und Emotionen aus dem gewöhnlichen Leben der Menschen abzuleiten und nicht aus einem erhöhten Drama (Brot und Butter für die meisten Filme). Es ist faszinierend zu sehen, wie sich von Szene zu Szene nicht nur die Körperlichkeit der Charaktere ändert, sondern auch die Veränderung ihrer Mode, Frisur, ihres Musikgeschmacks und allgemein ihrer Lebensperspektiven. 'Boyhood' überschreitet auf eine Weise, wie es nur sehr wenige Filme tun, die Grenzen des Kinos und wird zu einem winzigen Teil unserer eigenen Existenz und Erfahrung. Linklater erinnert uns erneut daran, warum er der Beste im Geschäft ist, wenn es darum geht, einfache Geschichten über gewöhnliche Menschen zu erzählen.

87. Tage des Himmels (1978)

Terrence Malicks Entwicklung zu einem vollständig kontrollierten, maßgeblichen filmischen Visionär ist eines der größten Dinge, die dem amerikanischen Kino jemals passiert sind. Aus seinen frühen Arbeiten geht hervor, dass er unbedingt aus den konventionellen Grenzen des Kinos herausspringen wollte. Filme wie 'Badlands' und 'Days of Heaven' hatten scheinbar einfache Erzählungen, aber dies waren Filme, die versuchten, etwas mehr zu sein. Etwas mehr als nur eine Geschichte. Ein Erlebnis. 'Days of Heaven' erreicht dies brillanter als 'Badlands'. Viele Leute haben den Film oft wegen seiner schwachen Handlung kritisiert. Ich kann nicht sagen, dass sie völlig falsch sind, aber die Geschichte ist sowieso nicht der wichtigste Aspekt eines Films. Was Malick hier tut, ist die Visualität des Kinos, die eher die Stimmung der Geschichte als die Geschichte selbst betont. Seine Absichten sind nicht, Sie mit der Notlage der Charaktere emotional zu machen, sondern Sie sie beobachten zu lassen, die Schönheit der Landschaften und den Duft ihres Ortes zu spüren. Und solch eine viszeral bewegende Erfahrung zu schaffen, ist nichts weniger als ein Wunder.

86. Grab der Glühwürmchen (1988)

Zugehöriges Bild

Ein ergreifender, berührender Film, der in jeder Hinsicht gleichwertig ist, während die anderen Live-Actionfilme die Kriegsbeute hervorheben. Dieser japanische Animationsfilm konzentrierte sich auf die Schrecken des Zweiten Weltkriegs, indem er sich auf das Leben eines Geschwisterpaares konzentrierte, mein Herz auf eine Weise brach, wie es kein anderer Film geschafft hat, und bis zum Ende auf die Stücke stampfte. Als Kriegsfilm wirkt er auch auf menschlicher Ebene Wunder und verwirklicht und entwickelt auf wunderbare Weise die zarte Beziehung zwischen Seita und Setsuko angesichts der Widrigkeiten des Zweiten Weltkriegs. Die Nachricht ist laut und klar. Kein Krieg wird wirklich gewonnen, und jeder Ruhm, der mit Siegen verbunden ist, wird auch von Klagen über unschuldige Leben begleitet, die im Krieg zerstört wurden. Ich würde den Film dafür begrüßen, dass er nicht offen emotional manipulativ ist, um uns für seine Charaktere zu begeistern. Aber machen Sie keinen Fehler, sein kraftvoller und kompromissloser Blick auf den Krieg und die Travestien, die das Geschwisterpaar durchgemacht hat, werden Sie zu einem schluchzenden Durcheinander bringen. Es ist so traurig. Davon abgesehen gibt es keinen anderen Weg, wie ich es haben würde. Es ist Perfektion in ihrer herzzerreißendsten Form.

85. Manhattan (1979)

Romantik in Woody Allens Filmen hat sich trotz des köstlich ergreifenden Sinns für Humor, mit dem er sie umhüllt, immer schmerzlich wahrheitsgemäß und deprimierend realistisch angefühlt. Während 'Annie Hall' sein gewagtester Film bleibt, erscheint 'Manhattan' künstlerisch als ein ausgereifteres Werk. In dem Film spielt Allen einen gelangweilten, verwirrten New Yorker, der kürzlich geschieden wurde und mit einem Highschool-Mädchen zusammen ist, sich aber schließlich in die Geliebte seines besten Kumpels verliebt. Allen hat den Humor für diesen Film leicht abgeschwächt, damit wir wirklich die Traurigkeit spüren können, die seine Charaktere verschlingt, was ihn zu einer emotional anstrengenden Erfahrung macht. Es ist nur ein zutiefst ergreifendes Porträt von schwankenden Beziehungen und fehlerhaften Menschen, die mit sich selbst und ihrer Existenz kämpfen und verzweifelt nach Glück suchen, das sie niemals erkennen und erreichen würden. Und es ist diese süß-zarte, ergreifende Erkenntnis des menschlichen Zustands, die Manhattan zu einem so mächtigen Film macht.

84. Marketa Lazarova (1967)

Die unkörperliche Traumlandschaft der tschechischen Ikone Franti & scaron; ek Vláčil, Marketa Lazarová, ist ganz einfach eines der unglaublichsten Kunstwerke der 20er JahrethJahrhundert. Seine avantgardistische Herangehensweise an die Filmsprache passt kaum an die Grenzen dieser oft verdammten Wendung - denn es ist etwas mehr. Eine atemberaubende Verschmelzung von Bild und Ton, die nicht durch Konventionen, Strukturen oder schriftliche Regeln gefesselt ist, hat im Laufe der Jahre auf die Filmform geschlagen. Im Vergleich dazu sieht alles andere so streng kontrolliert aus - so unnatürlich und erfunden in der Ausführung. Marketa Lazarová ist roh, viszeral und erstaunlich dynamisch. Kurzum: Es istfrei- ein wahrer Höhepunkt der Möglichkeiten, jedes Zentimeter filmische Medium zu erkunden. Dafür gehört es zu den größten Filmen, die je gedreht wurden.

83. Singin 'In The Rain (1952)

Singin 'In The Rain ist das prägendste Musical des Goldenen Zeitalters von Hollywood. Es ist unmöglich, das Bild von Gene Kelly zu vergessen, der an der Straßenlaterne tanzt, wenn wir über die glänzenden Momente im Kino sprechen. Der Film feiert nicht nur auf entzückende Weise seine eigene Kompetenz, sondern auch den Übergang des Kinos vom visuellen zum resonanten und anregenden Medium. Kellys Regiearbeit war eine monumentale Leistung im Technicolor-Kino und wurde von Kritikern und Publikum zunächst amüsant verworfen. Ich glaube, die Relevanz dieses Klassikers wird von Tag zu Tag größer, da die Kluft zwischen den vom Film abgedeckten Zeiträumen (reales Leben und Rollenleben) und der Gegenwart zunehmend zunimmt. Wir verlieren den Kontakt zu einer wichtigen Ära, und dieser Film schwärmt von seiner Nostalgie.

82. Schau jetzt nicht hin (1973)

Es ist sehr schwierig, ein visuelles Kunstwerk zu finden, das so hypnotisch ist wie Nicolas Roegs 'Dont Look Now'. In vielerlei Hinsicht ist dieses Meisterwerk wie der schreckliche Zwerg am Ende. Es ist wunderschön in ekstatische Farben gehüllt, birgt aber den schlimmsten Teil des Lebens: den Tod. Egal wie effektiv Sutherlands Charakter ist, ich glaube, dies ist ein emotionaler Film, da Roeg das Streben nach verlorener Liebe über eine abschließende Geschichte stellt. Die gotische Grundlage ist ein sehr mächtiges Mittel, um die Bedeutung der Bindungen, auf die sie sich stützt, die der väterlichen und familiären Liebe, hervorzuheben und den Geistern, die den Protagonisten verfolgen, eine vage Form zu geben. 'Einige Orte sind wie Menschen, andere leuchten und andere nicht.'

81. Fight Club (1999)

Hin und wieder kommt ein Kunstwerk, das die Psyche einer Generation definiert. Was das Kino angeht, hatten die 50er Jahre 'Rebel Without A Cause', die 60er Jahre 'The Graduate' und die 70er Jahre 'American Graffiti'. Und selbst zwei Jahrzehnte später passt „Fight Club“ wie angegossen zum brütenden, unzufriedenen, gegen das Establishment gerichteten Ethos unserer Generation. Wie so viele großartige Filme ist „Fight Club“ sehr spaltend und kann auf viele verschiedene Arten philosophisch interpretiert werden - einige finden, dass es die zeitgenössische Männlichkeit definiert, während andere denken, dass es Gewalt und Nihilismus verherrlicht.

Der Film ist im Wesentlichen ein Thriller und wird aus der POV eines namenlosen Protagonisten erzählt, der an Schlaflosigkeit leidet und mit seinem eintönigen Job unzufrieden ist, der sich mit einem ungestümen Seifenmacher namens Tyler Durden kreuzt. Durden und der Protagonist gründen bald einen unterirdischen „Fight Club“, um verärgerten Mitgliedern der Gesellschaft die Möglichkeit zu geben, ihren Ärger auszudrücken. Aber bald geraten Tylers Pläne und die Beziehungen des Erzählers außer Kontrolle und führen zu einem explosiven Höhepunkt (buchstäblich!)

Neben der Haltung, die Devil-May-Care verbreitet, ist „Fight Club“ auch ein Markenzeichen der Ass-Richtung der zeitgenössischen Legende David Fincher. Die düstere Farbpalette, die scharfe Bearbeitung und die raffinierte Kameraarbeit haben eine Horde dunkler Thriller nach dem Film inspiriert. Ein Wendepunkt der 90er Jahre.

80. Vor Sonnenuntergang (2004)

Hier ist die Wahrheit über die menschliche Evolution, die Ihnen niemand sagen wird: Die Menschheit wird bald die Kunst des Gesprächs verlieren. Technologische Fortschritte haben einen großen Nebeneffekt: Die Menschen interessieren sich immer weniger für echte Gespräche - weil sie Technologie haben, hinter der sie sich verstecken können. Und genau deshalb wird die Before-Serie noch Jahrzehnte Bestand haben. Eine Reihe von Filmen, in denen es um zwei Personen geht, die sich wirklich unterhalten, ist selbst für diese Generation eine Seltenheit. In Zukunft werden solche Filme überhaupt nicht mehr gedreht. Deshalb werden zukünftige Generationen voller Ehrfurcht und Staunen auf die Vorher-Trilogie zurückblicken. Und ich bin nicht überrascht, wenn die Trilogie nicht nur in der Filmgeschichte, sondern auch in der Bibliothek jeder Filmschule ihren verdienten Platz findet.

Unter den drei Vorher-Filmen sticht „Vor Sonnenuntergang“ hervor, weil es das herzzerreißendste ist. Ein Film, der von Natur aus über das stärkste menschliche Verlangen handelt: das Verlangen, mit jemandem zusammen zu sein, mit dem Sie den Rest Ihres Lebens verbringen könnten. Wenn Sie genau hinschauen, wird „Before Sunset“ letztendlich zu einem Spiegel, in dessen Blick Sie Ihre eigenen Beziehungen beurteilen können: Wo haben Sie sich geirrt? Wer war eigentlich 'der Eine' für dich? Welche Möglichkeiten haben Sie verpasst? Was hätte sein können? Es ist einer der seltensten seltenen Filme, in denen Ihre eigene Lebenserfahrung Ihre Erfahrung mit dem Film bereichert und nährt.

79. The Matrix (1999)

Eine geniale, clevere Idee, die von den Wachowskis auf die Leinwand gebracht wurde und zu einem Film führte, der viele Zuschauer dazu brachte, sich der Realität, in der sie sich befanden, bewusst zu werden. Es ist wahr, als 'The Matrix' einmal gemacht wurde, gab es kein Zurück mehr, es änderte sich Dinge. Der Film betrat nicht nur etwas Neuland in seiner Geschichte, sondern revolutionierte auch die Art und Weise, wie Science-Fiction- und Actionfilme danach konzipiert wurden. Der Erfolg von 'The Matrix' als Film liegt auch darin, wie er sich meisterhaft zwischen Themen wie Philosophie, Existentialismus und sogar Religion bewegt, während er die Gestalt einer Action und eines Science-Fiction-Films trägt. Neos Fähigkeit, die simulierte Realität zu manipulieren, um scheinbar unmögliche Leistungen zu erbringen, und die Verwendung von „Bullet Time“, einer Aktionstechnik, die heute nichts weniger als eine Ikone ist, tragen zum Einfallsreichtum des Films bei. Das Genre mag jetzt überfüllt sein, aber als es zuerst herauskam, kann man mit Sicherheit sagen, dass das Publikum so etwas noch nicht gesehen hat.

78. Der siebte Kontinent (1989)

Michael Hanekes 'The Seventh Continent' als Horrorfilm zu bezeichnen, klingt für mich sehr falsch, aber so wird es von den meisten Leuten bezeichnet, die es gesehen haben. Es ist schwer, mit ihnen zu streiten, weil man sich beim Betrachten dieses Films hoffnungslos, deprimiert und verängstigt fühlt. Dieser Klassiker von 1989 hat mit einer Familie zu tun, die die Welt und das Leben im Allgemeinen hasst. Er nimmt eine kalte und distanzierte Haltung ein, um die drei Akteure weiter vom Rest der Gesellschaft zu isolieren, was das Publikum langsam aber sicher dazu bringt, sich tief für sie als ihre zu fühlen Die Existenz nimmt eine dunkle Wendung. Hanekes Debütstück ist einer der verstörendsten Filme, die jemals auf der Leinwand zu sehen waren. Er verspottet den Betrachter und lässt ihn nie los. Wenn das Publikum es einen Horrorfilm nennt, dann beziehen sie sich auf einen Gruselfilm, der seinesgleichen sucht. Mit Ambiguität und Realismus bedeckt,Der siebte Kontinentist eine persönliche, intime und erschreckende Nacherzählung einer wahren Geschichte, die Sie zum Schweigen bringt, weil Sie für mindestens ein paar Minuten nach ihrem Ende kein einziges Wort mehr aussprechen können.

77. Zodiac (2007)

'Zodiac' ist kein herkömmlicher Thriller. Es ist langsam und konzentriert sich mehr auf Stimmung und Charaktere als auf Handlung. Es gibt eine Aura, die David Fincher so sehr aufbaut, dass Sie die Stimmung des Films in Ihren Knochen spüren können. Es ist kein Film, der dich glücklich macht, wenn er endet. Es ist auch ein Film, in dem der Böse gewinnt, der Gute verliert. Und deshalb ist es so gut. Nicht nur gut, sondern ein modernes Meisterwerk. Wenn ein Film es schafft, Sie zweieinhalb Stunden lang zu zucken und Sie tagelang nachdenken zu lassen, muss er viele Dinge richtig gemacht haben, die die routinemäßig hergestellten Thriller nicht tun. Meiner Meinung nach ist 'Zodiac' Finchers bester Film, in dem er mit seiner Disziplin und seinen Fähigkeiten zeigt, warum manchmal 'weniger mehr ist'.

76. Magnolia (1999)

'Magnolia' ist zweifellos Paul Thomas Andersons mit Abstand persönlichste Arbeit. Die hysterische Stimmung, die Anderson dem Film verleiht, verleiht dem Melodram eine gewisse emotionale Fließfähigkeit, die in ihrer Energie so unglaublich süchtig und kathartisch ist. Der Film spielt vollständig im San Fernando-Tal. Verschiedene miteinander verbundene Charaktere durchlaufen verschiedene Phasen ihres Lebens und kämpfen darum, mit ihren eigenen inneren Dämonen und emotionalen Konflikten umzugehen. Anderson liebt diese Menschen, er kennt sie und versteht sie, präsentiert sie aber als entschuldigungslos, wer sie sind; stark nackte Menschen, roh und rein, die sich ihren tiefsten Ängsten und Schwächen stellen und sie überwinden. Was Magnolia so besonders macht, ist, dass es ein Film ist, der so viel über seinen Filmemacher erzählt. Wir erhalten einen Einblick in Andersons Leben, den Ort, zu dem er gehört, und die Menschen in seinem Leben. In dem ganzen Film ist einfach so viel von Anderson. Ein Film wie 'Magnolia', wenn er von einem anderen Filmemacher gedreht worden wäre, hätte sich veraltet gefühlt und schien ein Produkt seiner Zeit zu sein, aber mit Anderson trägt er nur zur Attraktivität des Films bei.

75. Rosemarys Baby (1968)

'Rosemarys Baby' ist ein dunkles, verdrehtes Kunstwerk, das mit Unschuld herumspielt, um ein Gefühl des Grauens aufzubauen. Der Film hat mit einer Frau zu tun, bei der während der Schwangerschaft Komplikationen auftreten, und geht mit seiner Handlung einen völlig neuen Weg, indem rituelle Elemente eine wichtige Rolle spielen. Es gibt so viel an diesem Film zu lieben, angefangen von den gut geschriebenen Charakteren bis hin zur fernen Brutumgebung, die jeden Vorfall umgibt. Während des gesamten Bildes herrscht immer ein Gefühl der Spannung, was teilweise auf die stille, anhaltende Kinematographie zurückzuführen ist, die mit Polanskis straffem Regiestil ausgeführt wurde. Mia Farrow zeigt hier als Rosemary Woodhouse die beste Leistung ihrer Karriere, eine Frau, die schwächer wird, wenn sie mit den Schmerzen kämpft, die mit dem Tragen eines Kindes einhergehen. Insgesamt wird die von diesem Film eingefangene Atmosphäre von wenigen anderen erreicht, und die Art und Weise, wie sie in Ihre Haut eindringt, ist wirklich etwas anderes.

74. Das Gute, das Schlechte und das Hässliche (1966)

Mitreißende Charaktere, gespielt von legendären Schauspielern, ungezügelte, brutale Gunsling-Action, Hooking-Musik und intensive Kinematografie - der dritte Teil der 'Dollars' -Trilogie, der als Geburtsstunde der Spaghetti-Western bezeichnet wird, ist nachsichtig, fesselnd und unterhaltsam im Kino. Blondie oder No Name (The Good), ein professioneller Revolverheld, und Tuco (The Ugly), ein gesuchter Gesetzloser, bilden eine unwillige Loyalität, wenn sie jeweils ein wichtiges Detail über einen Goldvorrat herausfinden, der von einem flüchtigen Konföderierten versteckt wird. wer Angel Eyes (The Bad), ein Killer, wird beauftragt zu töten. Die Reise des Trios bildet den Kern einer spannenden Handlung, die in einem klassischen Blick nach westlichem Vorbild endet. Clint Eastwood als Blondie ist das Bild des Machismo, Lee Van Cleef als Angel Eyes ist böse personifiziert und Eli Wallach als Tuco fügt den einfacheren, aber auffälligeren Good Vs Evil-Handlungen der beiden größeren Stars eine Charakterkomplexität aus Impuls und Wut hinzu. Aber die Zügel sind für immer Regisseur in Sergio Leones Händen - er verwendet ausgedehnte lange Einstellungen und intensive Nahaufnahmen, um eine Spannung im Verfahren zu erzeugen. Ein genre-definierender Film Quentin Tarantino, einer der größten Vertreter des modernen Westens, der einst als 'der bestregierte Film der Welt' bezeichnet wurde.

73. Die reisenden Spieler (1975)

Viel zu lange war Theo Angelopoulos 'intimes, fein zusammengestelltes Epos nur wenigen Filmfans bekannt und wurde vielleicht von noch weniger geschätzt. Die stattliche, schrittweise Errichtung eines filmischen Denkmals für unsere esoterische, kryptische Beziehung zur Zeit ist verständlicherweise nicht jedermanns Sache. Aber für die Neugierigen unter uns ist bekannt, dass sie Trost spenden, Weisheit verleihen und eine Wahrnehmung vermitteln, die dabei hilft, Konstanten zu finden, an denen sie sich in dieser universell und grausam dynamischen Welt festhalten können. Unter den vielen Dingen, die dieser Film richtig macht, ist sein makelloses Verständnis der Enthüllungen in der Geschichte von „Orestes“. Die Mythologie, die mit der tragischen Figur verbunden ist, wird mit einer gedankenbetäubenden Demut eingefangen, und dennoch gelingt es dem Film, uns durch seine geschmeidige Vision zu einer melancholischen, verweilenden Ansicht des Griechenland der Mitte des 20. Jahrhunderts zu transportieren. Seine zeitliche Eleganz rechtfertigt das Betrachten der Geschichte, indem sie neben der Truppe steht: von außen nach innen. Sie neigen dazu, die Härte der Truppe zu spüren und über ihre Entstehung nachzudenken. Es ist eine seltene antifaschistische Geschichtsstunde, weil sie uns nie sagt, was wir denken sollen. Es zeigt uns nur, was wir fühlen sollen. Angelopoulos und der Kameramann Giorgos Arvanitis versetzen uns in herzzerreißende Gegenden und waschen sie mit der verheerenden Boshaftigkeit dieser Zeit aus. 'The Travelling Players' ist ein bescheidenes, seltenes Juwel, das sich anfühlt, als wäre es vor aufrührerischen Straßen gerettet worden und hätte durch Hunger überlebt. Einfacher ausgedrückt, wir haben es nicht verdient.

72. Cache (2005)

Michael Haneke wird oft vorgeworfen, immer mit düsteren Erzählungen zu tun zu haben. Diese Charakterisierung ist völlig unfair, weil er im Wesentlichen humane Einblicke in die Dunkelheit gewährt, die uns alle umgibt, wie unsere fehlerhaften Wahrnehmungen zu qualvoller Isolation führen und wie unsere Wahnvorstellungen unsere Chancen verringern, diese Isolation zu überwinden. 'Caché' ist nicht nur ein massives, sengendes Dokument, das auf die Bösartigkeit des Seine-Massakers von 1961 und unsere Unmenschlichkeit als Gesellschaft hinweist, sondern auch eine poetisch universelle Charakterstudie. Georges, unser Protagonist, nimmt das Leben und seine Gegenwart als soziales Wesen in einem verzerrten Sinn für Freude wahr. Er rennt davon weg, anderen zu vertrauen und mit ihnen zu kommunizieren. Er genießt seine Entfremdung, genauso wie er so viele entfremdet, die ihn so lieb halten. Damit verspottet Haneke die Generation, die in Ruhe gelassen werden möchte. Seine Kamera ist manchmal ungewöhnlich weit entfernt, so wie so viele von uns in Bezug auf ihre Umgebung stehen. Aber unter seiner Kontrolle müssen wir uns unserer Unanständigkeit, unserer Rücksichtslosigkeit, unserer Realität stellen. Eines der herausforderndsten Stücke des Kinos, das Sie jemals sehen werden.

71. Geist des Bienenstocks (1973)

Der spanische Meister Victor Erice drehte vor seiner Pensionierung nur drei Spielfilme. Noch heute am Leben, seine Filme wie El Sur, Quitte 'Baum der Sonne' und insbesondere Spirit of the Beehive, sein undefinierbares Debüt, lassen uns alle wünschen, er würde noch Filme machen. Eine parabilistische Geschichte von zwei Kindern, von denen eines seine Existenz mit unschuldiger, oft verwirrender Faszination erkundet und das andere von dem Film „Frankenstein“ besessen ist, der in ihrem örtlichen Theater gespielt wird. Sein mystifizierendes Porträt des spanischen Kernlandes wird von Erices charakteristisch neutraler Richtung in verführerischer Zweideutigkeit hinterlassen - er wagt sich selten für eine filmische Methode zugunsten einer stillen Beobachtung. Die daraus resultierende Arbeit ist verwirrend, faszinierend und lässt Sie über das eigentliche Rätsel des Lebens selbst nachdenken: seine unbeantwortbaren Fragen, seine großen Geheimnisse und ihre verblüffende Unangreifbarkeit. Um Sie völlig am Boden zerstört oder unvergleichlich bewegt zu lassen, besteht kein Zweifel daran, dass ein extremer „Geist des Bienenstocks“ eine wichtige Erfahrung sein wird.

70. Alle Männer des Präsidenten (1976)

Watergate. Ein Wort, das die Vorhänge der Präsidentschaft von Richard Nixon öffnete und den Menschen klar machte, dass selbst eine Person von der Statur des Präsidenten sich so weit wie möglich bücken kann, um seine Dinge zu erledigen. Während die Kumpels des Präsidenten damit beschäftigt waren, das von ihm verursachte Chaos zu beseitigen, gab es zwei Reporter, die den Hauch davon bekamen. Trotz drohender Bedrohungen arbeiteten sie unermüdlich, verfolgten selbst die kleinsten Anhaltspunkte und brachten zeitweise Gefahr auf sich, um die Fakten den Menschen zu vermitteln. Basierend auf dem gleichnamigen Buch, das von den Reportern Bob Woodward und Carl Bernstein verfasst wurde, ist „All the President's Men“ eine kluge Beobachtung dessen, was wahrer Journalismus sein sollte. Unter der Regie von Alan J Pakula wurde dieser für acht Akademiepreise nominiert, gewann schließlich drei und verlor im Übrigen das beste Bild an „Rocky“.

69. Armee der Schatten (1969)

Ich denke, ein hervorragender Vergleichspunkt für Neulinge in Jean-Pierre Melvilles Werk ist der von Stanley Kubrick. Beide üben extreme technische Präzision aus und strahlen absolutes Vertrauen in jede Arbeit aus, die sie in langen und kreativ lukrativen Karrieren geleistet haben. Eine billige, aber herausfordernde Beschwerde, die jeder beim amerikanischen Regisseur einreichen kann, ist seine „Seelenlosigkeit“. Eine Leerstelle des menschlichen Ausdrucks. Dies ist bei Melville nicht der Fall. In 'Army of Shadows' brennen Melvilles Charaktere mit einem bitteren, verzweifelten Funken, der jede Handlung von der Menschheit überfluten lässt. In der tödlichen Welt der Kriegswiderstandsbewegung kann eine falsche Bewegung zu völliger Zerstörung führen, und mit der oben erwähnten Anmut und virtuosen Kontrolle über sein Kino näht Melville die Keime einer absolut glaubwürdigen, überzeugend toten Welt. 'Army of Shadows' ist eines der ruhigsten, faszinierendsten und monumentalsten Werke, die aus dem französischen Kino stammen - und einen solchen kriminell übersehenen Klassiker zu verpassen, würde bedeuten, sich selbst einen schweren Dienst zu erweisen.

68. The Shining (1980)

Mit seiner Adaption des Stephen King-Klassikers schuf Stanley Kubrick 1980 einen Film, der das Horror-Genre neu definierte. Hier sind es nicht nur die Geschichte oder die Charaktere, die die Geburt fürchten. Die Umgebung und die Art und Weise, wie sie gedreht wurden, tragen wunderbar dazu bei, dass geistesgestörte Spannungen in die Köpfe des Publikums eindringen. Der Film folgt Jack Torrence, einem neu ernannten Hausmeister im The Overlook Hotel, und seiner Familie, die eine Zeit der völligen Isolation in dem mysteriösen Gebäude verbringen. Durch atemberaubende Darbietungen und exzellente Kameraarbeit sorgt Kubrick dafür, dass der Inhalt des Films tief in unser Unterbewusstsein eindringt. Die Art und Weise, wie er Klang und Atmosphäre manipuliert, ist absolut unglaublich und sorgt für unvergessliche und gruselige zweieinhalb Stunden. Die Welt von 'The Shining' ist wunderschön dunkel und hält dich während des gesamten atemberaubenden dritten Aktes fest am Kragen.

67. Chinatown (1974)

Es gibt Film Noir und Neo-Noir und genau zwischen diesen beiden sitzt Jake Gittes, ordentlich gekleidet mit einem knackigen Fedora, um dieses Grinsen auf seinem Gesicht zu ergänzen. Obwohl er ein großer Bewunderer von Polanki ist, gibt es immer etwas, das nicht zum Endprodukt seiner Filme passt. Außer Chinatown. Dieses wegweisende Meisterwerk hat nicht nur eine Identität für sich selbst geschaffen, sondern wird auch immer von Filmemachern betrachtet, die seinen Stil ausleihen, um eine Identität für ihren Film zu schaffen. Polanski ist ein Zauberer bei der Arbeit, der uns mit unterscheidbaren Leads sowie klassischem Noir-Tempo und Setting austrickst. Aber dann kommt Chinatowns letzter Akt, der jede Konvention, die ursprünglich mit ähnlichen Mystery-Filmen verbunden war, so schnell auflöst, dass Sie ein überwältigendes Gefühl von Schock und Verzweiflung haben. Das Versäumnis, Pate II zu schlagen, verwirrt mich immer noch, aber nach einem halben Jahrhundert haben die Menschen Sizilien vergessen, aber niemals Chinatown.

66. Satan Tango (1994)

Geständnis Nummer eins: Ich habe Béla Tarrs weitläufiges, erstaunliches Meisterwerk fast nie gesehen. Man würde annehmen, dass sein absoluter Cinephile-Lieblingsstatus und der hervorragende Ruf, den er in amerikanischen Kunsthauskreisen und bei einigen der am besten informierten Filmkritiker auf der ganzen Welt erworben hat, mich faszinieren würden. Aber die schiere Unermesslichkeit seiner Dauer (ungefähr 432 Minuten) und das lorisartige Tempo, das ich in Tarrs 'Werckmeister Harmonies' so genossen hatte, schienen entmutigend. Geständnis Nummer zwei: Ich habe „Sátántangó“ zum ersten Mal auf einmal gesehen. Ich war hypnotisiert von seinem pragmatischen Sinn für die reale Welt und seinem geduldigen, umsichtigen Sinn für Kino. Es beobachtete mehr als es reflektierte und dachte mehr nach, als es ordentlich geformte Aussagen lieferte. Sein mythischer, trostloser Realismus war zu gut, um wahr zu sein, und viel zu brutal, um mit einem solchen Auge für Schönheit verwirklicht zu werden.

Alles, was ich am Ende tun wollte, war, alle meine Fenster zu schließen und mich in die Dunkelheit zu hüllen, weil der Film für mich wie dieser Verrückte in der Kirche gewesen war und sein Wehklagen zu viel Sinn ergeben hatte. Geständnis Nummer drei: Ich bin hocherfreut darüber zu berichten, dass Sátántangós kluge soziale und politische Überlegungen sich mir allmählich klar gemacht haben, als ich wiederholt darauf zurückgekommen bin. Besonders denkwürdig war ein Sommer, in dem László Krasznahorkais Roman verschlungen wurde, der als Ausgangsmaterial für den Film dient. Jetzt kann ich nur noch hoffen, die Dividenden dieses glücklichen Unfalls weiter zu ernten.

65. Der Exorzist (1973)

William Friedkins 'The Exorcist' ist perfekt inszeniert. Der Mann ist berüchtigt für einen unberechenbaren Karriereweg, auf dem Klassiker unter Schock stehen (und oft kreuzen sich die beiden Gruppen, um faszinierende Erkundungen der filmischen Schamlosigkeit zu erleben). Mit seinem besten Film beschloss Friedkin, ein Drama zu drehen, in dem es zufällig um dämonischen Besitz ging: Pathos für seine komplexen Charaktere nähen und den Text des Originalautors William Peter Blatty viszeral übersetzen, der zwischen Glauben und lähmendem Zweifel gefangen ist. Das Endergebnis von zwei wunderbaren Künstlern, die an der Spitze ihres Spiels arbeiten, um einen schimmernden Klassiker des amerikanischen Kinos zu liefern: Einer, der fast jeden Film seines Genres in den Schatten stellt (abgesehen von dem vielleicht schrecklich schrecklichen 'Wake in Fright' oder Tobe Hoopers zufälliger Tour de) -MachtDas Texas Kettensägenmassaker). Einfach atemberaubend.

64. Suspiria (1977)

'Denn in unseren Träumen betreten wir eine Welt, die ganz unsere eigene ist' - J.K.Rowling. Und was wäre, wenn einer der verdrehtesten Köpfe des Kinos beschließen würde, sein Unterbewusstsein auf ein Stück Film zu sprühen? Dario Argentos Suspiria trotzt mit seiner seltsam strukturierten Geschichte der filmischen Logik. Aber ich glaube, es ist ein neo-expressionistisches Meisterwerk, das die wahre Essenz des Kinos einfängt, nämlich dass wir uns wirklich, wirklich lebendig fühlen. Argento versteht den Wert des Raums und zeigt daher einen stärkeren Fokus auf Kinematographie und Bühnenbild, die die dominierenden Bewohner seines Films sind. 'Suspiria' repräsentiert nicht nur Argentos Stil, sondern den gesamten italienischen Horror, ein Genre, das von der Ästhetik der Kunst geweckt wird.

63. Ein Mann entkam (1956)

Robert Bressons ach so seltenes Bullauge war tadellos präzise und inspirierend sparsam und wurde 1956 von 'A Man Escaped' getroffen. Der Höhepunkt der Quecksilberkräfte des Mannes als Filmemacher folgt den Versuchen des französischen Widerstandsagenten Fontaine, einem zunehmend gefährlichen NS-Gefängnis zu entkommen, und findet in jedem einzelnen Bild einen Sinn. Von der erstaunlich menschlichen Darstellung der Hauptrolle des Nicht-Schauspielers François Letterrier, dessen eingefallene Wangen und ausgestrahlte Augen das Gewicht des Lebens in Kriegszeiten so überzeugend zum Ausdruck brachten, bis zu Bressons Minimalismus, der es schaffte, eine sengende Intimität zwischen dem Publikum und dem verzweifelten Mann zu pflegen : Von häufigen POVs und eleganten Kompositionen, die sich nicht zu sehr mit Techniken beschäftigten, ist Bressons umgebende Arbeit manchmal ertrunken. Ich würde kein einziges Bild wegschneiden - und daher dient der Film als absolut wichtige Bildungsform für angehende Filmemacher: To Malen Sie etwas so Lebendiges und Dichtes, ohne dass es sich jemals überheblich anfühlt.

62. Um einen Spottdrossel zu töten (1962)

In Zeiten wie diesen gibt es keinen besseren Film als 'To Kill A Mockingbird', um die Neonazis über die wahre Bedeutung von Kaste, Glaubensbekenntnis und Rasse zu erklären. In der Zeitlinie eines rassistisch geteilten Amerikas wird ein afroamerikanischer Mann beschuldigt, die Bescheidenheit einer weißen Frau verletzt zu haben. Auf dem Höhepunkt rassistischer Ungerechtigkeiten, wenn ein Gericht voller Weißer nach seinem Blut bellt, kommt es auf einen Mann an, seinen Fall zu bekämpfen. Ein weißer Mann namens Atticus Finch. Er kämpfte tapfer darum, die Tatsache vorzubringen, dass alle Menschen vor Gericht gleich geschaffen sind, sei es farbig oder nicht. Seine Bemühungen werden erfolglos, da das Gericht den Mann für schuldig erklärt. Was dem Betrachter jedoch zurückbleibt, ist die Lektion, die Atticus Finch seinen Kindern vermittelt. Das heißt: 'Sie verstehen eine Person nie wirklich, bis Sie die Dinge aus ihrer Sicht betrachten.' Basierend auf Harper Lees gleichnamigem Bestseller ist 'To Kill A Mockingbird' einer der größten Filme aller Zeiten.

61. Heckscheibe (1957)

Was einen Meister-Thriller-Film von dem normalen Abwasser unterscheidet, das regelmäßig auf uns aufgetürmt wird, ist, dass in letzterem Wendungen blitzschnell eintreffen und mehr auf unserem Schock als auf der Richtigkeit der Drehung beruhen, um eine Wirkung zu erzielen. Aber in Filmen wie 'Rear Window' sind winzige Dinge zu erkennen, die der im Rollstuhl sitzende professionelle Fotograf L.B. 'Jeff' Jeffries schaut aus seinem Heckfenster und sammelt sich Tropfen für Tropfen, bis sie überfluten. Der harmlose Jeff vermutet, dass ein Mann auf der anderen Seite des Hofes einen Mord begangen hat. Hitchcock benutzt seine Kamera meisterhaft wie die Werkzeuge eines Illusionisten, um seine Zuschauer angespannt, betrogen und erraten zu lassen, bis die atemberaubende Enthüllung. Durch Jeffs obsessive Verfolgung seines Interessens kommentiert Hitchcock die Irrtümer des Voyeurismus, wie verlockend er sein kann und die Düsterkeit des einsamen urbanen Lebensstils, der dazu führt. Noch unglaublicher ist, dass es sich ebenso um einen Kommentar zum Voyeurismus des Zuschauers handelt wie um den von Jeff. wie wir von Jeffs Faszination fasziniert sind. Zuschauen, wenn man nicht beobachtet wird, ist eine böse Freude; Hitchcock weiß es, bewundert es und zieht uns an.

60. 4 Monate 3 Wochen und 2 Tage (2007)

Einige Filme bewegen dich; manche bringen dich zum Lachen; Einige brechen dein Herz. '4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage' gehören zu einer besonderen Kategorie von Filmen: solchen, die Sie ängstlich und nervös machen. Wie Sie vermutet haben, sind solche Filme wahrscheinlich die seltensten der seltenen Rassen. Der Film folgt zwei Freunden, die versuchen, eine Abtreibung im brutalen kommunistischen Regime Ceausescu in Rumänien zu arrangieren. Viszeral und kompromisslos packt Sie der Film am Genick und lässt Sie nie los. Das Anschauen dieses Films ist wie das Gefühl, dass Sie das Gefühl haben, nervös zu sein, wenn Sie nervös darauf warten, dass einer Ihrer Lieben nach einer Operation aus einem Operationssaal kommt. Es ist nicht nur realistisches Kino von seiner besten Seite; Es ist auch einer der lebensverändernden Filme, die Sie jemals sehen werden.

59. Letztes Jahr in Marienbad (1961)

Alan Resnais '1961er Film 'Last Year At Marienbad' ist der Visualisierung eines Traums am nächsten gekommen, und dies geschieht auf so seltsame Weise wie möglich. Die Musik, die den größten Teil der Laufzeit im Hintergrund spielt, wirkt als Beruhigungsmittel, das das Publikum in einen schläfrigen Zustand versetzt. Trotzdem ist es so gut wie unmöglich, den Blick vom Bildschirm abzuwenden, da im gesamten Bild so viel los ist, obwohl nur wenig gezeigt wird. Ich denke gerne an 'Letztes Jahr in Marienbad'. als ein Film, der aufgrund seiner sich wiederholenden und verwirrenden Natur aus dem Unterbewusstsein heraus vorgestellt wurde. Die Charaktere sind verwirrt über die bizarre Welt, in die sie auch hineingelegt wurden. Es ist ein ausgereiftes und raffiniertes Stück, und ich finde die Kernhandlung - einen Mann und seine Beziehung zu einer fremden Frau, an die er sich deutlich erinnert, als er sich im Jahr zuvor getroffen hat, obwohl sie sich nicht an ihn erinnert - sehr eindringlich, originell, leidenschaftlich, romantisch, traumhaft und natürlich brillant.

58. Wilde Erdbeeren (1957)

Waren Sie schon einmal auf einem Roadtrip, bei dem Sie nichts Besseres haben, als aus dem Fenster zu schauen? Für eine gewisse Zeit blicken Sie auf den Blick nach draußen, bevor Ihre Gedanken hereinströmen und das, was draußen ist, nur noch eine Vorlage ist - es hält Ihre Aufmerksamkeit nicht mehr auf sich. So auch Isak Borg, der Protagonist von Bergmans klassischem Stimmungsstück, das seinen Platz in unzähligen Best-Movie-Listen aller Zeiten gefunden hat, darunter eine, die 1963 von Stanley Kubrick zusammengestellt wurde. Er reist mit seiner Schwiegertochter, um den Abschluss zu erhalten von 'Doctor Jubilaris' aus seiner Alma Mater. Sie mag ihn nicht und plant, seinen Sohn zu verlassen. Aber unser Professor, gespielt von dem brillanten Victor Sjöström, ist nicht sehr an der Zukunft interessiert. Seine Gedanken und infolgedessen der Film, der von den vielen Menschen, denen er auf seiner Reise begegnet, katapultiert wurde, werfen nur ein Licht auf seine Vergangenheit. Durch Bergmans verzeihende, versicherte Linse gesehen, sind seine Erinnerungen einfach, vertraut und menschlich. Sie verherrlichen sein Leben nicht und lehnen seine Leistungen nicht ab. Sie sind chaotisch, wie die meisten von uns und absichtlich verzerrt. Als er endlich an dem Ort ankommt, an dem ihm die Ehre zuteil wird, stellen wir fest, dass er nie eine Belohnung brauchte. Er bekam es bereits in den Erdbeeren, die er mit seinem Kinderschatz gesammelt hatte, dem Kaufmann, der sich an ihn erinnerte, der schwierigen Beziehung zu seiner Frau, dem Guten und dem Schlechten, dem Erlösenden und dem Unverzeihlichen. Ebenso wie wir in Form dieses mysteriösen, unerklärlich bewegenden Films.

57. Die Spielregeln (1939)

Jean Renoirs geniale, beißende Manierenkomödie hält sich nach all den Jahren überraschend gut und bleibt dabei so verspielt und eindringlich wie immer. Es wurde zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung sowohl von Kritikern als auch vom Publikum gemieden, was dazu führte, dass Renoir nach der katastrophalen Premiere einen bedeutenden Teil des Films ausschnitt - ein Teil, der hauptsächlich den Charakter von Octave zeigte, der von Renoir selbst gespielt wurde. Kein Wunder, dass die Statur seitdem gewachsen ist. Der Film ist in seinem schlauen, maßgeblichen Jonglieren von Charakteren, Themen, Tönen und Schauplätzen immer unterhaltsam, aber niemals weniger fleißig oder weniger üppig gestaltet als das Beste des Weltkinos aus dieser Zeit. Die sorgfältig gefälschten Grafiken pulsieren vor Raffinesse, aber die Anstrengung wird nie gesehen, und der Film lässt Sie staunen, wie tief Sie in seiner gekonnt gebauten Atmosphäre verwickelt waren. Die Kameramänner Jean Bachelet und Renoir spielen mit der Kamera auf eine Art und Weise, die dem Film eine Leichtigkeit verleiht, aber ihre unerbittliche Kontrolle macht ihn zu einem ständig faszinierenden Unterfangen. Wenn all dies nicht ausreicht, sollten Sie wissen, dass Alain Resnais einmal gesagt hat, dass der Film die überwältigendste Erfahrung war, die er jemals im Kino gemacht hat. Es wäre schwer, eine glühendere Empfehlung zu finden.

56. Der dritte Mann (1949)

Film-Noir ist ein Genre, das mit Filmen verbunden ist, die dunkle Gassen, geheimnisvolle, verführerische Charaktere, ein Gefühl des Mysteriums und cremiges Schwarz-Weiß verschönern, um alles zu überziehen. Obwohl viele dieser Bilder faszinierend sind und eine gute Zeit bieten, probieren nur wenige etwas Innovatives und Anderes aus. Der Dritte Mann ist einer der größten Film-Noirs, die jemals gedreht wurden, weil er seine erstaunliche Geschichte außergewöhnlich gut erzählt und dabei beeindruckende niederländische Neigungen, auffälliges Licht und schöne Musik verwendet. Der Film hat mit einem Mann und seiner selbst durchgeführten Untersuchung des Mordes an seinem finanziell wohlhabenden Freund zu tun. Die Handlung vonDer dritte Mannist gesäumt von Romantik, dunklem Humor, Wendungen und Spannung. Im Kern mag der Film eine süße Liebesgeschichte genannt werden, aber mit allem anderen bleibt diese Verliebtheit zweifelhaft. Carol Reeds Magnum-Opus spielt ein meisterhaft geschriebenes Drehbuch ab und hält Sie vom bescheidenen, unbeschwerten ersten Akt bis zu einem Ende, das möglicherweise das klügste Finale für jedes Bild ist, das Sie haben, am Rande Ihres Sitzes. Ich werde es jemals sehen.

55. Cries and Whispers (1972)

Ingmar Bergmans tragisches Familiendrama handelt von einer Traurigkeit, die sowohl makellos verzweifelt als auch fieberhaft dringend ist. Es wird nicht geduldig Szene für Szene gebaut und am Ende auf einer Platte geliefert. Sie müssen es von der Eröffnung des Films an einatmen, in der die Hauptakteure und ihr verhärtetes, brennbares Leid mit wunderschönen Nahaufnahmen vorgestellt werden, die ihr erstickendes Unbehagen deutlich machen. All dies ist mit einer unversöhnlichen Fülle von Rot bedeckt, in Form des Purpurs, mit dem die Wände des Hauses, in dem die Geschichte spielt, bemalt sind. Bergman macht uns den Gestank des Todes bewusst, der die Frauen mit einer so imposanten Richtung umgibt, dass ein tatsächlicher Tod kein Grund zur Beunruhigung ist. Die von Natur aus gewalttätige Sehnsucht der Frauen machte alles in dem Film zu einer eindringlichen, blutgetränkten Erinnerung in meinem Kopf. Sven Nykvists durchweg faszinierende Bilder werden durch Bergmans subtiles Schreiben und die meisterhaft gelebten Darbietungen der Schauspieler gemildert. Der leuchtende Liv Ullman scheint jedes Mal, wenn die Kamera auf sie gerichtet ist, zu mystifizieren und zu begeistern, während die ungläubige Ingrid Thulin und Harriet Andersson in ihrer Arbeit so ungetrübt sind, dass es sich invasiv anfühlt, mit ihren Gefühlen in Kontakt zu kommen. Bergman gibt uns keine klaren Ideen zum Mitnehmen, sondern leugnet uns alle anderen Empfindungen als die, die seine Charaktere erfahren. Wir fragen uns, wie weit sein Zugang zu unseren Emotionen reicht und er erweitert ihn auf Schritt und Tritt. Letztendlich ist „Cries and Whispers“ nicht zu glauben, sondern zu leben.

54. Es war einmal im Westen (1968)

Vielleicht ist es Morricones eindringliche Partitur oder vielleicht Delli Collis Vision, die so groß ist wie der Westen, oder vielleicht das unerschütterliche Getümmel in den Augen von Bronson und Fonda, und vielleicht ist es der Höhepunkt all dieser Aspekte in fast jedem Rahmen durch den Maestro Sergio Leone . Wenn Sie einen Western brauchen, der sowohl die Schönheit von John Ford als auch die unversöhnliche Wildheit von Sam Peckinpah hat, dann gibt es einfach niemanden in der Nähe von Leone. In seinem Magnum Opus erreicht er, was ihn zuvor 3 Filme gekostet hat, um eine mystische Welt mitten im Nirgendwo zu erschaffen. Obwohl es an der Oberfläche nichts Spirituelles gibt, hat der Film Götter. Götter tragen Kronen, die mit 10 Gallonen Schießpulver gefüllt sind, und Körner, die sie mit Wasser schlucken. Auch Henry Fondas Casting als Antagonist war wahrscheinlich die Entscheidung dieses Jahrzehnts, da seine eisblauen Augen anders waren als alles, was der Westen jemals gesehen hatte.

53. Annie Hall (1977)

Niemand kann behaupten, das verwirrende, alles verzehrende Rätsel zu verstehen, das Liebe wie Woody Allen ist. Und kein Woody Allen-Film zeigt ihn annähernd in seiner echten, skurrilen Pracht wie diese Geschichte von Alvy Singer, einem neurotischen, nihilistischen Komiker in New York, der sich mehr als nur in die feurige, flüchtige, fröhliche Annie Hall und verliebt fällt dann raus. Der Film untersucht auch geschlechtsspezifische Unterschiede in der Sexualität durch Alvys und Annies Beziehung zwischen Yin und Yang. Am Ende akzeptiert sogar Alvy die Liebe als „irrational und verrückt und absurd“, aber im Leben notwendig. Die Verwendung mehrerer innovativer Erzähltechniken, wie das spontane Brechen der vierten Wand, der schnelle Wechsel von Vergangenheit und Gegenwart durch sanfte Schnitte, die in Untertiteln zeigen, wie sich Alvy oder Annie fühlen, während sie tatsächlich etwas völlig anderes sprechen, und die Hinzufügung eines ' Geschichte in einer Geschichte 'als Höhepunkt, erhöhen Sie die bereits spannende Geschichte. 'Annie Hall' ist wahrscheinlich die erste wirklich modernistische Romanze über Zelluloid und hat stattdessen eine Generation romantischer Komödien inspiriert. Keiner ist so charmant wie der, den sie nachahmen wollen.

52. M (1931)

Der Beginn der Sprachaufzeichnungstechnologie, für die der Impressum 1927 als 'The Jazz Singer' stand, führte zu einer absurden Sättigung des Dialogs in Filmen. Die Technologie wurde als direktes Upgrade angesehen und nicht als Werkzeug, das in Verbindung mit der etablierten Filmsprache verwendet werden kann. Fritz Lang, ein Mann, der seine Karriere im Stummkino mit einer Reihe meisterhafter Werke begann, darunter Destiny, Dr. Mabuse der Spieler, Die Nibelugen und die außergewöhnliche Metropole. Seine Migration zum Klang erreichte 1931 ihren Höhepunkt in 'M' - einem Film, der im Gegensatz zu allen umliegenden Quellen fast alle Umgebungsgeräusche beseitigt hatte. Das Ergebnis ist ein stilles Talkie mit einer überwiegend leblosen Atmosphäre: Eines, das seine Erzählung so effektiv untermauert. Die fragliche Geschichte zeigt einen Kindermörder und die Inkompetenz der deutschen Regierung, ihn zu erwischen, indem sie ein eigenes Känguru-Gericht bilden, um den Mörder zu bestrafen. Was Lang hier kommuniziert, ist von unglaublicher Reife in der Botschaft: Die Gerechtigkeit, die es verdient, durch den politischen Kontext der Zeit völlig untergraben zu werden - mit der von der Nationalsozialistischen Partei aufgezeichneten Politik der Sterbehilfe und zunehmend gewalttätigen Idealen, die sich als bösartiger Tumor in den Anschuldigungen des Volkes manifestieren . Peter Lorres Performance, reich an Pathos und gequältem Humanismus, hilft dabei, die tiefe Täuschung von 'M' zu hämmern, die bis heute unermesslich bewegend bleibt.

51. 12 Wütende Männer (1957)

Die Antwort, ob der Junge schuldig war oder nicht, werden wir nie erfahren. Aber eine Sache, die 12 Angry Men bestätigt, ist, dass die Logik immer die Intuition überwiegt, wenn es einen vernünftigen Mann inmitten einer Welt der Narren gibt. Und ist Dummheit eine Krankheit oder nur ein Nebenprodukt der Unwissenheit? Sidney Lumets Drama fordert Sie nicht auf, Ihr Gehirn über das Herz zu ziehen, sondern bemüht sich, einen Punkt zu erreichen, an dem Sie eine Entscheidung treffen können, wobei beide zusammenarbeiten. Zusammen mit dem spannenden Drehbuch, das stolz in den Lehrplan jeder Filmschule auf der ganzen Welt aufgenommen wurde, stammen die Kameraarbeit und die Inszenierung direkt aus einem japanischen New Wave-Klassiker. 12 Angry Men ist ein Denkmal des amerikanischen Kinos und bietet eine unvergessliche Leistung des Ensembles.

50. Lichter der Stadt (1931)

Nicht viele frühe Filmemacher haben die Anerkennung und Popularität in der heutigen Kultur, die Chaplin genießt. Dies kann viele Gründe haben. Seine Filme sprechen den Jedermann an und sind unglaublich witzig, aber darüber hinaus betrachten seine Geschichten melancholische Situationen in einem humorvollen Licht. Dies ist der Fall bei seinem wahrscheinlich persönlichsten Bild, 'City Lights', das die Geschichte eines Landstreichers und seine Bemühungen erzählt, ein armes blindes Blumenmädchen zu beeindrucken und ihm zu helfen. Er tut dies unter einer Fassade und gibt vor, ein reicher Mann zu sein, um ihre Aufmerksamkeit zu erregen, gerät dabei aber in Schwierigkeiten. Wenn ein Film in der heutigen Zeit genauso lustig und berührend ist wie vor über 75 Jahren, bedeutet dies normalerweise, dass etwas richtig gemacht wird. 'City Lights' hat die Welt mit seiner Darstellung von Armut und Leben in den schweren Jahren der Depression geprägt, die so gut ausgeführt ist und das Gefühl hat, das Publikum immer wieder zu bewegen und ihnen gleichzeitig Hoffnung zu geben ein besseres Morgen.

49. Come & See (1985)

Regisseur Elem Kilmov, die zweite Hälfte eines unglaublich talentierten Filmteams, war mit Larisa Shepitko verheiratet - der leuchtenden Virtuose hinter 'Wings' und 'The Ascent'. Als sie so traurig bei einem Autounfall starb, beendete Kilmov die Arbeit an ihrem außergewöhnlichen unvollendeten Projekt 'Farewell' (das diesen Platz einfach hätte einnehmen können) - und ich denke, was diesen ganzen Kontext so mächtig macht, ist die Art und Weise, wie die Trauer des Mannes blutet jeder Rahmen seiner Arbeit. Kilmovs Kino brodelt vor unausgesprochener Wut und Verzweiflung: Hulking in seinem eigenen überwältigenden Gewicht an Emotionen - und nur wenige Filme, die jemals gedreht wurden, haben mit einem so starken Gefühl gepulst wieKomm und sieh. Wohl die Der beste Kriegsfilm aller Zeiten, dessen höllische Darstellung der Invasion der Wehrmacht in Weißrussland mit ohrenbetäubenden Explosionen, alptraumhaften Bildern und einer Welt, die langsam vom Leben erschöpft ist, widerhallt - seine Szenen wurden in einem wunderschönen, hohlen Licht gedreht. Doch in all dieser Qual findet Kilmov seinen Weg zum Verständnis in seiner transzendental ausgereiften Schlussfolgerung. Vielleicht findet er in seinem Engagement, über die Vergänglichkeit des Lebens nachzudenken, endlich die Kraft, die Knochen seiner verstorbenen Frau zu begraben. Man kann nur hoffen.

48. Das siebte Siegel (1957)

Von den ersten Bildern von Bergmans ikonischem Dokument über Glauben, Angst und Zufriedenheit ist ein Zauber auf Sie gewirkt. Der scharfe, körnige Blick auf das Meer, die Küste und darauf ein mutiger Ritter und seine schicksalhafte Begegnung mit der Personifikation des Todes bestimmen die Klarheit des Ziels des Films, auch wenn es Raum für eine verführerische, fast schreckliche Zweideutigkeit lässt, ständig präsent zu sein. Von einer magnetischen Performance des unvergleichlichen Max von Sydow und einer Gruppe von Schauspielern zu profitieren, die Bergmans erstaunliches Material, basierend auf seinem Stück „Wood Painting“, auf ein unerwartetes Niveau heben, hat 'The Seventh Seal' in seinen mageren 90 Minuten den Einfluss von Eine alte Fabel, die über Generationen weitergegeben wurde und die Phantasie weitaus expansiver antreibt, als sie selbst enthalten kann. Gunnar Fischers funkelndes, knackiges Schwarz-Weiß sorgt dafür, dass die erschütternde Intensität unter unsere Haut kriecht. Die strömungsähnliche Fließfähigkeit ist das Ergebnis einer Erzählung, die sich mit erhabenem Selbstvertrauen und einer spürbaren Besonnenheit entfaltet. Es mag eine durch und durch einfache Geschichte sein, die dennoch wertvolle Ideen in ihrem Busen birgt, aber sie ist mit einem Stoff genäht, der so kompliziert und mutig ist, dass Sie nicht anders können, als ihn immer wieder zu betrachten, damit er sich in eine bleibende Erinnerung verwandelt.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinis vorsichtiger, geduldiger und poetisch gemilderter Virtuose zeigt sich in seiner Palme d'Or-Gewinnerin, die in ihrem gefühlvollen und schattigen Glamour eine Lebensweise einfängt, die zu schwer fassbar und in gewisser Weise viel zu real erscheint. Sein Tempo unterstreicht das Gefühl der Ziellosigkeit des Protagonisten und zwingt uns, in der symphonischen Anordnung der Lebendigkeit des Lebens zu baden und wie flüchtig alles ist. Dieser Protagonist wird von einem Karrierebesten Marcello Mastroianni gespielt, der dieses Geschenk der Zeit nutzt, um seine Augen mit einer unwiderstehlichen Weltmüdigkeit zu füllen. Wenn Sie die Bedeutung bestimmter Abschnitte von „La Dolce Vita“ in Frage stellen, die möglicherweise keine philosophische Bedeutung oder narrative Relevanz haben, lehnen Sie die Möglichkeit ab, sich von den pikanten Details überfluten zu lassen und dann über die Konsequenzen nachzudenken. Während Nino Rotas himmlische Partitur uns in die schwindelerregende Welt Roms entführt, sehen Sie mit Fellinis illusorischem Auge nur das, was er von Ihnen möchte, und es wird schnell zu dem, was Sie auch sehen möchten.

46. ​​Psycho (1960)

Menschen können bestenfalls als Peculiars bezeichnet werden. Der menschliche Geist, der zu vielen erstaunlichen Dingen fähig ist, ist auch in der Lage, sich bis zum Unverständnis zu degenerieren. Alfred Hitchcocks 'Psycho' braucht keine Einführung, da er seinen Kopf hoch hält, inmitten zeitloser Kinos. Es ist nicht nur ein Klassiker, sondern auch ein trauriger Kommentar zur versagenden Moral der Menschen. Und es ist nicht Norman Bates wohlgemerkt! Der ätzende Griff von Mrs. Bates, der Normans Leben während seiner Kindheit und schließlich im Erwachsenenalter in Flaute versetzte, ist eine Erinnerung daran, wie Liebe ersticken kann. Bekanntlich hat Mr.Hitchcock seltsame Richtlinien für 'Psycho' verabschiedet, die beinhalteten, dass späte Teilnehmer nicht in den Film aufgenommen werden dürfen. Es wurde verabschiedet, um der pulsierenden Höhepunktszene des Films uneingeschränkt gerecht zu werden. 'Psycho' ist ein Thriller in seiner wahrsten Form und handelt von einem Sohn, seiner Mutter und ihrer ungesunden Bindung an Besessenheit. Hitchcock war über das Finale so streng gehütet, dass er den Film mit diesem Slogan bewarb - 'Gib das Ende nicht weg - es ist das einzige, das wir haben!'

45. Solaris (1972)

Tarkovskys 'Solaris' ähnelt den im Film dargestellten Phänomenen. Von der Verwirrung mit seinem tief verwurzelten Konzept bis zur Entwicklung zu einer Einheit, von der ich mich nicht trennen kann, ist es eine Erfahrung, die mich über die Vergessenheit jedes Moleküls wundern lässt, das das Universum ausmacht. Wir sind uns vielleicht der wissenschaftlichen Dimensionen bewusst, aber kann jedes Instrument die Menge an Liebe oder Trauer berechnen, die man in einem Nanogramm des Herzens hält? Kann irgendetwas die Gehirnzelle finden, in der sich ein unvergessliches Gedächtnis befindet? Von Bachs faszinierender Musik in der Eröffnungssequenz bis zur mehrjährigen Autobahnszene ist Tarkovskys Nutzung der Zeit, um den Betrachter vom Funktionieren einer normalen Welt zu lösen, meisterhaft. Solaris ist ein Bereich, in dem Emotionen Sie zu einer Spritztour mit Wahnsinn schicken, aber wer würde nicht emoten, wenn Wahnsinn schön zu berühren und viszeral genug ist, um Sie von Ihrem eigenen Selbst zu befreien.

44. Schindlers Liste (1993)

Ein wichtiger Film, der stark von Spielbergs Gespür für Dramatik profitiert. Es ist eine ebenso verstörende wie sensible Erfahrung für sich. Der Film ist, wie viele andere auf dieser Liste, eine Meisterklasse in etwas, das ich gerne als vereinfachtes, wirkungsvolles Geschichtenerzählen bezeichne. Die Erzählung folgt Oskar Schindler, einem deutschen Geschäftsmann, der mehr als tausend Juden das Leben rettete, indem er sie während des Holocaust in seinen Fabriken beschäftigte. Alle drei Hauptdarsteller, Liam Neeson als Oskar Schindler, Ralph Fiennes als Amon Goth und Ben Kingsley als Itzhak Stern, sind in hervorragender Form und liefern die aufrichtigsten Leistungen. Insbesondere gegen Ende des Films ist eine Szene, in der Schindler zusammenbricht, wenn man bedenkt, wie viele Leben er hätte retten können, zutiefst bewegend und bleibt mir als eine der mächtigsten, herzzerreißenden Szenen im Kino in Erinnerung. Dass der Film in Schwarzweiß gedreht wurde und gelegentlich gelegentlich Farben verwendet wurden, um ein wichtiges Element zu symbolisieren oder hervorzuheben, erhöht die Erfahrung. Spielbergs bester Film bleibt ein unverzichtbares Filmerlebnis.

43. Lawrence von Arabien (1962)

Das Kino als Medium wird immer größer. Mit modernster Technologie bieten uns die heutigen Filmemacher einige viszerale Kinoerlebnisse. Aber es gibt einige Filme, die gemacht wurden, bevor CGI in Mode war, deren schiere und monumentale Größe keinen Vergleich gefunden hat. David Leans episches historisches Drama basiert auf dem Leben von T. E. Lawrence , eine der bekanntesten Figuren Großbritanniens, ist ein solcher Film. Es spielt Pater O’Toole als Lawrence und zeichnet seine Abenteuer auf der Arabischen Halbinsel während des Ersten Weltkriegs auf. David Lean malt von Anfang an ein strahlendes Bewegtbild der unendlichen Wüste in seiner ganzen Pracht, unterstützt von Kameramann Freddie Young und einer packenden Partitur von Maurice Jarre. Aber es opfert in keiner Weise Emotionen für Extravaganz. Im Kern ist 'Lawrence of Arabia' eine atemberaubende Charakterstudie von Lawrence - seine emotionalen Kämpfe mit der persönlichen Gewalt, die dem Krieg innewohnt, seine eigene Identität und seine geteilte Loyalität zwischen seiner Heimat Großbritannien und seiner Armee und seinen neu gefundenen Kameraden darin die arabischen Wüstenstämme. Diese gesunde Qualität macht 'Lawrence Of Arabia' zu einem der einflussreichsten Filme, die es je gab.

42. Die Sucher (1956)

'The Searchers', der wohl größte Western aller Zeiten, der beste Film von John Fords großer Karriere, ist ein amerikanischer Klassiker und gehört zu den besten Filmen der fünfziger Jahre. Obwohl zu dieser Zeit bewundert und respektiert, wurde seine zerreißende, atemberaubende Kraft einige Jahre lang nicht anerkannt, aber in den frühen siebziger Jahren wurde es als Klassiker des Genres und vielleicht als der beste Western aller Zeiten gefeiert. Sicherlich hat die Zeit einen Teil der Macht des Films untergraben, aber nicht die gewaltige, rasende Leistung von Wayne oder den Rassismus innerhalb des Films, der den Zorn und die Wut schürt. Die treibende Erzählung des Films, Ethan und seine Suche ist zeitlos, heute so kraftvoll wie damals, vielleicht umso mehr, als so viele der subtilen Handlungspunkte jetzt klar sind.

41. Pather Panchali (1955)

Der Film, der das indische Kino in die Welt brachte und dem Kino einen der besten Autoren gab, Satyajit Ray. Basierend auf dem Roman von Bibhutibhusan Bandopadhay erzählt „Pather Panchali“ die Geschichte einer verarmten Familie, die versucht, durch viele Widrigkeiten des Lebens zu gedeihen. Man kann argumentieren, dass es die Armut romantisiert, da der Betrachter die vielen Prüfungen miterlebt, denen sich die Familie gegenübersieht und die ihren Lebensunterhalt verdienen. Trotzdem sind es die Momente, die mit der Musik des Maestro Ravi Shankar durchsetzt sind, die beim Betrachter bleiben. Die liebevolle Beziehung zwischen Appu und ihrer Schwester Durga, die Zugsequenz, die eines der Highlights des Films ist, bringt den Film auf eine ganz andere Ebene. 'Pather Panchali' hat sich im Laufe der Jahre zu einem der Kultfilme entwickelt und wird zu Recht regelmäßig in die Liste der besten Filme aller Zeiten aufgenommen.

40. Casablanca (1942)

Der Inbegriff des amerikanischen Klassikers. Sein Charme hat vielleicht etwas so Ansteckendes, dass Sie sich auch in all den Jahren noch in ihn verlieben. Abgesehen von seinem immensen Wiederholbarkeitsfaktor sind die denkwürdige Punktzahl (As Time Goes By!) Und der äußerst zitierfähige Dialog ein starkes Argument. Einfach gesagt, es ist ein Vergnügen, wenn alle Elemente eines großartigen Kinoerlebnisses in genau den richtigen Mengen vorhanden sind!

Die Handlung ist, gelinde gesagt, einfach und manchmal fast banal. Ein zynischer Mann mit gebrochenem Herzen, der den berühmtesten Nachtclub in Casablanca betreibt, befindet sich am Scheideweg, als die Frau, die er liebte, mit ihrem Ehemann auftaucht. Die Handlungsinstrumente hier sind die berühmten Transitbriefe, aber die Geschichte handelt direkt von den beiden Liebenden vor dem Hintergrund der frühen Phasen des Zweiten Weltkriegs und der schwierigen Entscheidung, mit der Bogarts Charakter konfrontiert ist, festzuhalten oder loszulassen. Wie bei vielen Filmen dieses Genres macht die Ausführung jedoch den Trick und verwandelt „Casablanca“ in eines der faszinierendsten romantischen Dramen aller Zeiten, das auch unglaublich gut gespielt wird. Humphrey Bogart und Ingrid Bergman sind erstklassig und werden von Spielern wie Paul Henreid, Claude Rains und Conrad Veidt geschickt unterstützt.

39. Barry Lyndon (1975)

Wenn man das Kino als Kunstform betrachtet, kann man Barry Lyndons Perfektion nicht leugnen, von wunderschöner Kinematographie über faszinierende Versatzstücke, herausragende Musik bis hin zu kraftvoller Regie. In der Geschichte geht es um das Leben eines jungen Mannes im Europa des 18. Jahrhunderts, der die Stufen zur Aristokratie hinaufsteigt, um dann von seinem Schicksal zurückgeführt zu werden. Das Bild enthält einige der größten Szenen, die jemals gedreht wurden, und nutzt Licht, Farben, physische Merkmale usw. umwerfend. Es gibt keinen besseren Weg, das Leben eines Menschen zusammenzufassen, als es objektiv zu betrachten, und genau das ist es In diesem Film wurde ein unzuverlässiger Erzähler verwendet. Es ist kalt und distanziert und gibt dem Publikum selten die Möglichkeit, für den Protagonisten zu fühlen. Aus dieser Perspektive,Barry Lyndonist eine aufwendige Charakterstudie mit reichen Charakteren, einer realistischen Note und einer poetischen Art, Emotionen zu kommunizieren. Es ist einfach Kino vom Feinsten.

38. Der General

Als einer der ältesten Titel auf der Liste erinnert „The General“ daran, dass viele moderne Action-Meisterwerke in einem sehr langen Schatten stehen, der von niemand anderem als dem Genie der stillen Komödie Buster Keaton geworfen wird. Mit einem Oeuvre, das so beeindruckend ist wie sogar Charlie Chaplin, tauscht der liebenswerte Tramp des letzteren Künstlers Orte mit einer Kavallerie entzückend doofer Charaktere in Keatons Fall. alles umgeben von sprudelnder filmischer Neugier, die in Filmen wie Sherlock Jr. und The Cameraman die Grenzen des Mediums überschritt. All dies, ohne auch nur sein Magnum-Opus zu erwähnen, The General: 1927: Nach einem konföderierten Ingenieur, der sich beeilt, seine Seite vor den vorrückenden Unionstruppen während des amerikanischen Bürgerkriegs zu warnen. Seine Erzählung bildet eine Vorlage für George Millers jüngsten Film 'Mad Max: Fury Road' und so ziemlich jeden Katz-und-Maus-Film, der jemals gedreht wurde. Er besticht durch seine lustige Komödie, seine beeindruckenden Spezialeffekte und seine tapferen Stunts, durch die Keaton sein Leben mehr in Gefahr bringt als einmal alles für die Verehrung seines liebenden Publikums. Der General bleibt einer der besten Actionfilme, die jemals gedreht wurden - einer, der Spaß mit jeder Unze seines Seins hat und es schafft, so viele hervorragend gehandhabte Momente von epischem Ausmaß zu beschwören, wie es mit jedem CG-beladenen Tummel heute der Fall ist.

37. Blow Up (1966)

Die Zeit ? Die schwingenden Sechziger. Der Ort? London. Die Stadt, die blendet und blendet. Lebendig und glamourös. Sex, Drogen und Rock'N'Roll. Alles in allem ein Tag im Leben von Thomas, einem Modefotografen, der ein Leben in zweifelhafter Moral führt. An einem Tag voller Ereignisse entdeckt er beim Durchsuchen der Fotos eines Paares, das er ziemlich heimlich in einem Park festgehalten hat, eine Leiche darin. Er geht zum selben Ort und findet, dass der Körper der Mann des Paares ist. Aus Angst kommt er zurück in sein Studio und findet es durchsucht, aber mit einem Foto übrig, dem der Leiche. Am nächsten Tag verschwindet der Körper. Wer hat ihn ermordet? Und warum ist der Körper verschwunden? Warum fühlte Thomas, dass er verfolgt wird? 'Blow Up' ist der Klassenkamerad von Regisseur Michelangelo Antonioni, der im Laufe der Jahre viele Filmemacher inspiriert hat, darunter Brian De Palma und Francis Ford Coppola.

36. Ewiger Sonnenschein des makellosen Geistes (2003)

die meisten wiederverfolgbaren Filme

Die schwindelerregende, surreale Offenbarung von Liebe und Herzschmerz wurde nie in der Art und Weise und mit dem Erfolg untersucht, mit dem „Ewiger Sonnenschein des makellosen Geistes“ es tut. Es ist unmöglich, alles über 'Ewiger Sonnenschein des makellosen Geistes' zu erklären, der mit wunderschönen Bildern und einer erfinderischen Partitur überflutet ist, die einem Soundtrack aus der Zeit der Stille ähnelt. Zweifellos ist der Film mit einer schwer zu verfolgenden Erzählung überlagert - obwohl es eigentlich einfach ist, wenn man anfängt zu folgen -, ist es einer dieser Filme, der sich sehr lohnt, nur weil man sich nicht davon abhalten kann, über das hoch durchdachte Konzept nachzudenken und sich tief zu bewegen Film, der es ist. Aber der wahre Star der Show ist ihr Autor, Charlie Kaufman , der in Form von „Ewiger Sonnenschein des makellosen Geistes“ das wohl brillanteste Drehbuch aller Zeiten in der Filmgeschichte geschrieben haben könnte. Ein Film, der nicht nur auf seine Weise einzigartig ist, sondern auch endlos wiedergegeben werden kann und bei jeder Betrachtung etwas Neues zu finden ist.

35. Taxifahrer (1976)

Martin Scorsese gibt uns in 'Taxi Driver' einen der verstörtesten, unwahrscheinlichsten und skurrilsten Protagonisten unserer Zeit in Travis Bickle. Der Film folgt ihm, als er Taxifahrer wird, um mit seiner Schlaflosigkeit fertig zu werden, und sieht zu, wie er langsam von all dem Wahnsinn in der Stadt um ihn herum überwältigt wird. Die wirkliche Art und Weise, wie Taxifahrer als Film gewinnt, ist, wie es ihm gelingt, sich an Sie heranzuschleichen und sich langsam durch die Fäulnis und den Horror zu arbeiten, die Travis Bickle zu beleidigen scheinen. Damit verdient es zu Recht seine Auszeichnung als Psychothriller mehr als als Drama, das oft auf mehr Ebenen als nur auf beiden Ebenen arbeitet. Der Film mag für einige aufgrund seines dunklen Themas, einer noch dunkleren Behandlung und einer Handvoll Gewalt eine verstörende Uhr sein, aber für Zuschauer, die bereit sind, daran vorbei zu schauen, ist es nichts weniger als ein brillanter Versuch, den Teil des Films zu verstehen menschliche Psyche, die sich am häufigsten in Form von Wachsamkeit äußert. Ich meine, wer denkt nicht darüber nach, sich der Unrichtigkeit unserer Zeit zu stellen und sie zurückzugeben? Es ist diese tief sitzende Wunscherfüllungsphantasie, mit der „Taxifahrer“ auf höchst effektive Weise spielt. Der Film gilt heute allgemein als einer der wichtigsten Filme, die jemals gedreht wurden, und führte die Welt in die Macht der Scorsese ein.

34. Pfade des Ruhms (1957)

Bevor Stanley Kubrick die unerklärlichen Aspekte der Gesellschaft erforschte, die nicht nur die Zeit überstiegen, sondern auch die Erwartungen der Zuschauer an sich selbst, machte er dieses spannende Kriegsstück, das ich neben 'Come and See' rangiere. Im Gegensatz zu letzterem extrahiert Paths of Glory seine herzzerreißende Wiedergabe des WW aus derselben Oberflächlichkeit der Menschheit, die Kubricks letztere Werke beherrschte. In Kubricks Welt sind die Dämonen nicht mit Blut und Schlamm bedeckt, sondern mit Medaillen und Stolz, und die Hölle taucht an den heiligsten Orten, dem Hof, ein. Zu einer Zeit, als die Industrie den attraktiven 3-Streifen übernommen hatte, malte Kubricks Monochrom den Krieg mit einem einzigen Farbton. Die Körper, die Lumpen, die Kasernen, der Rauch, die Asche, alles getarnt mit dem gemeinsamen Anblick quälender Qualen.

33. Drei Farben: Rot (1994)

Der traurigste Teil des Todes eines Künstlers ist, wenn Sie denken, dass sein letztes Werk das größte ist, das es je gab. Dies war der Fall beim polnischen Autor Krzysztof Kieslowski und seinem letzten Film „Red“. Kieslowski hatte bereits nach der Premiere des Films in Cannes 1994 seinen Rücktritt vom Filmemachen angekündigt, aber es ist sein tragischer Tod fast zwei Jahre nach seinem Rücktritt, der ihn noch trauriger macht. 'Rot' ist die letzte Folge seiner hochgelobten 'Drei Farben' -Trilogie und handelt von einer jungen Frau, die auf einen alten Mann stößt, nachdem sie versehentlich seinen Hund mit ihrem Auto geschlagen hat. Der alte Mann ist ein pensionierter Richter, losgelöst vom Leben und jeglichen Emotionen und verbringt seine Zeit damit, andere Menschen auszuspionieren. Zwischen beiden entwickelt sich eine unwahrscheinliche Verbindung mit subtilen romantischen Untertönen. Bei „Rot“ geht es um Chancen und Zufälle, die uns jeden Tag auffallen, und darum, dass wir die Schönheit und Bedeutung nicht erkennen. Es gibt ein unerklärliches Gefühl der Melancholie, das sich durch den Film über die Tragödie des menschlichen Schicksals und der Zeit zieht und darüber, wie wir als Menschen auf der Welt alle auf die eine oder andere Weise miteinander verbunden sind. 'Red' ist eine erstaunliche Leistung im Filmemachen und einfach einer der größten Filme, die jemals gedreht wurden.

32. Der Schatz der Sierra Madre (1948)

Wie der Name schon sagt, verbinden wir Schatzsuche oft mit dem pulsierenden Abenteuer und dem damit verbundenen Adrenalinschub. Es gibt jedoch nur sehr wenige Geschichten, die über die Emotionen sprechen, denen Menschen ausgesetzt sind, wenn sie sich auf eine Reise begeben, um dieses Gold zu erhalten. Es wird oft gesagt, dass Widrigkeiten Ihren wahren Charakter hervorheben. 'Der Schatz der Sierra Madre' erzählt eine Geschichte, in der die Lust am Gold unappetitliche Veränderungen in den Charakteren mit sich bringt, die letztendlich zu ihrer individuellen Trostlosigkeit führen. Während der Fokus auf der Gier liegt, die das Gewissen korrumpiert, bleibt das Studium des menschlichen Charakters in widrigen Situationen beim Betrachter. Dieser Film ist eine tragische Geschichte von Gier und Verrat und wurde mit dem Akademiepreis für den besten Regisseur, das am besten angepasste Drehbuch und den besten Nebendarsteller ausgezeichnet. Im Laufe der Jahre hat sich dies zu einem Kultklassiker für Kinoliebhaber auf der ganzen Welt entwickelt.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp Fiction, ein Begriff, der für Zeitschriften oder Bücher bezeichnet wird, in denen Gewalt, Sex und Kriminalität hervorgehoben werden. Diese Elemente ließen die Magazine wie heiße Pfannkuchen verkaufen. Tarantino nahm diese Elemente, mischte sie um drei Geschichten und schuf eine Erzählung, die nicht weniger als ein filmisches Genie war. Als einer der einzigartigsten Popkulturfilme, die je gedreht wurden, wird der Zuschauer in die Welt des Mob-Hitman Vincent Vega, seines Partners für Kriminalität und Motormouth Jules Winnfield, der Frau des Gangsters, Mia Wallace, des Boxers Butch Coolidge, eingeführt und begeistert seine stilvolle Behandlung von Verbrechen und Gewalt. Einer der wichtigsten Aspekte des Films, der zu seinem Erfolg beitrug, war Samuel L Jacksons Performance. Als der Killer Jules Winnfield, der Bibelverse als Pointen zitiert, war er phänomenal. Als einer der größten Filme dieser Zeit ist „Pulp Fiction“ zu einem Lehrbuch für aufstrebende Filmemacher weltweit geworden.

30. Die Schlacht von Algier (1966)

Nur wenige Filme haben die Last der Politik auf eine Weise getragen, die ihre filmische Wirkung bereichert, aber es überlassen Sie dem italienischen Brandstifter Gillo Pontecorvo, den immer noch schwelenden Brennpunkt der französischen Kolonialunterdrückung des algerischen Volkes Ende der 50er Jahre in etwas zu verwandeln absolut überzeugend. Die immer noch vorausschauenden Parallelen, die Pontecorvos bewundernswert neutrale Beobachtung von Terror und Terrorismus durch beide Seiten heute zieht, machen das Erleben der Schlacht von Algier zu einer faszinierenden intellektuellen Herausforderung für unser Verständnis der Schwarz-Weiß-Kriegsführung, a la la aufspießender Kälte von Miklós Jancsós unauslöschliche Filmografie. Darüber hinaus sind die Bearbeitungstechniken der Wochenschau ein Meilenstein in der filmischen Kommunikation und haben meiner Meinung nach die hektischen Schneidtechniken der Nouvelle Vague weitaus stärker genutzt als viele ihrer explorativen Impressum. Einmal gesehen, nie vergessen - „Die Schlacht von Algier“ ist ganz einfach ein wegweisendes Stück Weltkino.

29. Goodfellas (1990)

Es ist der Traum eines Regisseurs, einen Film zu kreieren, der der Zeit entspricht, in der er gedreht wurde. Für Martin Scorsese ist es jedoch eine Gewohnheit. Für jedes Jahrzehnt, in dem er A-Lister war, hat er einen Film gedreht, der als einer der größten der Zeit gilt. Er machte in den 1970er Jahren 'Taxifahrer', in den 1980er Jahren 'Raging Bull', in den 1990er Jahren 'Goodfellas', in den 2000er Jahren 'The Departed' und in den 2010er Jahren 'The Wolf Of Wall Street'. Und es ist das Gangster-Drama von 1990, das auf der wahren Geschichte des Gangster-Mitarbeiters Henry Hill basiert und zu einem der Maßstäbe des Genres wurde. Der Film, der in der ersten Person von Hill erzählt wird, zeichnet seinen Aufstieg und Fall als Teil der New Yorker Mafia von 1955 bis 1980 auf. Im Gegensatz zu all der Gangster-Extravaganz in 'Godfather' oder 'Scarface' beschäftigt sich 'Goodfellas' mit dem Authentische Details des täglichen Gangsterlebens, wobei Hill's Beziehung zu seiner Frau Karen ebenso im Mittelpunkt steht wie seine Heldentaten mit seinen Gangkollegen. Aber Scorsese benutzt alle Pfeile in seinem Trickköcher, um diese Angelegenheit verlockend zu machen diese legendäre lange Kamerafahrt , ein denkwürdiger Dialog und eine explosive Handlung von Joe Pesci als Tommy DeVito, Hills stürmischer Mitarbeiter. Wenn es um das Genre der Kriminalität geht, ist „Goodfellas“ so gut wie es nur geht.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese ist bekannt dafür, dass er in seinen Filmen Geschichten über kaputte, fehlerhafte, oft selbstzerstörerische Protagonisten darstellt. Und er hat oft die Annalen der Geschichte durchsucht, um seine gefallenen Helden in wahren Geschichten zu finden. 'Raging Bull' ist die Lebensgeschichte des legendären Boxers Jake LaMotta, dessen selbstzerstörerische und obsessive Wut, sexuelle Eifersucht und animalischer Appetit, die ihn zum Champion im Ring gemacht hatten, seine Beziehung zu seiner Frau und seiner Familie zerstörten. Der Film ist vollständig in Schwarzweiß gedreht, um die Ära, in der er spielt, und die dunkle, deprimierende Stimmung, die er definiert hat, nachweislich darzustellen. Scorsese erwartete, dass dies sein letztes Projekt sein würde. So war er in seinem Filmemachen akribisch anspruchsvoll. Ebenso engagiert war Robert De Niro, der in der Titelrolle die Hauptrolle spielt. Er nahm 60 Pfund zu und trainierte tatsächlich als Boxer. Er nimmt die kurz verschmolzenen Manierismen von LaMotta mit feuriger Perfektion auf, während er sich vollständig in den Charakter eintaucht. Er erhielt eine verdiente für seine Probleme. Dies ist der größte Triumph von Scorsese-De Niro. Ein intensives, kraftvolles Magnum Opus.

27. Der Pate: Teil II (1974)

In der Geschichte der zweiten Folge sind nur wenige Filme dafür bekannt, dem Ruhm der ersten gerecht zu werden, geschweige denn sie in einigen Aspekten zu übertreffen. Wenn eine Liste mit solchen Filmen erstellt wird, ist „The Godfather: Part II“ das krönende Juwel. Dem Erbe des ersten gerecht zu werden, war an sich schon eine Mammutaufgabe, aber diese Fortsetzung der Saga „The Godfather“ gelang dies nicht nur, sondern erweiterte ihr Erbe, um Teil der größten amerikanischen Geschichte über das organisierte Verbrechen zu werden, die jemals erzählt wurde. Der Film präsentiert zwei parallele Erzählungen; Der eine befasst sich mit Michael Corleone als neuem Leiter des Corleone-Familienunternehmens, der zweite mit einem hervorragenden Robert De Niro als jungem Vito Corleone und seinem Aufstieg zur Macht. Die beiden Geschichten sind gekonnt miteinander verwoben und bieten eine verlockende Erzählung, die den Betrachter nicht einmal im Griff hat. Al Pacino leistet hier einige seiner besten Arbeiten. Sein neu entdeckter Blick kaut jedes Mal, wenn er auf dem Bildschirm erscheint, quasi durch die Landschaft. Einer dieser nahezu perfekten Filme, die unabhängig von Zeit, Ort und Ihrer letzten Wiedergabe angesehen werden können, und bei denen Sie immer noch die totale Unterwerfung und Ehrfurcht davor haben. Wenn Teil I der heilige Altar ist, ist Teil II das Brot und der Wein.

26. Ein Uhrwerk Orange (1971)

Das erste, was mir wahrscheinlich einfällt, wenn ich gebeten werde, diesen Film in einem Wort zu beschreiben, ist „störend“. Als einziger Film auf der Liste, den ich noch einmal zu besuchen wage, zuckte ich beim Anschauen dieses Films mehrmals zusammen. 'A Clockwork Orange' ist ein kompromissloser sozialer Kommentar, der starke Bilder liefert, von denen man sich vielleicht nie erholen wird. Es ist dunkel, es ist verdreht und es bietet keine Erlösung für diejenigen, die es in einem Film mit der wahrscheinlich trostlosesten Wiedergabe einer Dystopie in gesellschaftlicher Hinsicht suchen. Und ich glaube, darin liegt der Erfolg des Films, eine verstörende Botschaft nach Hause zu bringen. In jeder erdenklichen Weise unkonventionell, liefert es uns Protagonisten, die bis ins Mark boshaft sind und sich Handlungen der „Ultraviolenz“ und Vergewaltigung hingeben. Es kommentiert den gesellschaftspolitischen Zustand der Dinge auf die härteste Art und Weise, die Sie sich vorstellen können, und versetzt Sie in einen Zustand der Verwirrung, in dem Alex DeLarge (gespielt von einem charismatischen Malcolm McDowell) unmenschlichen Arten der Überholung ausgesetzt ist und das Publikum in einem Zustand zurücklässt Farrago all der Dinge, die Sie durch diese störende Erfahrung sofort fühlen lassen. Wirklich ein Werk von kubrickschen Ausmaßen.

25. Vertigo (1958)

Die Geschichte von 'Vertigo' geht so - der ehemalige Detektiv Scotty (James Stewart) leidet an Akrophobie aufgrund eines Vorfalls, der im Dienst passiert ist. Er wird von einem alten Freund angesprochen, um seine Frau Madeleine im Auge zu behalten, die er für besessen hält. Zunächst skeptisch, wird Scottie bald selbstzerstörerisch besessen von der hübschen Dame, die viel mehr zu sein scheint, als sie vermuten lässt. Alfred Hitchcocks Brillanz liegt in der Tatsache, dass seine größten Filme, die beim ersten Mal aufregend anzusehen sind, dem Betrachter bei jedem Blick eine neue Ebene des Verständnisses zu eröffnen scheinen. Sicher, auf einen flüchtigen Blick: „Schwindel; ist ein gut ausgearbeitetes psychologisches Krimi. Aber wenn Sie es sich immer wieder ansehen, entfalten sich die Themen männliche Aggression und Konstruktion des weiblichen Bildes im Kopf eines Mannes wie eine Unendlichkeitsbox und verschlingen Sie. Der wahrscheinlich am feinsten alternde Film, der jemals gedreht wurde. Die langsam brennende Brillanz von Vertigo wird durch die Tatsache bestätigt, dass der Film nach dem Öffnen für gemischte Kritiken allgemein als einer der größten Filme angesehen wird, die jemals gedreht wurden. Ein Meisterwerk des Thrillermeisters.

24. Hiroshima, meine Liebe (1959)

Hiroshima mon amour wurde aus dem Kopf des französischen Visionärs am linken Ufer, Alain Resnais, geboren und ist ein Film, der mit transzendentaler Kraft weint. Die Geschichte der Zeit, die mit der Erinnerung und den Narben beider in Hiroshima während des Zweiten Weltkriegs verflochten ist, wurde von zwei Personen erzählt - einem Franzosen und einem Japaner -, die versuchen, die vorherrschende Botschaft der dort verursachten Verwüstung zusammenzusetzen. Außer, dass man aus einer solchen Torheit weder intellektuell noch emotional etwas gewinnen kann. Es ist eine Arbeit, die von internationaler Trauer durchdrungen ist und weiter reicht als der Konflikt selbst und die Wahrheiten und Verdrängungen, die die Menschen jeden Tag verfolgen. Durch den Nachhall der atomaren Explosion finden wir einen kleinen Teil dessen, was mit uns selbst so falsch ist. Die Tatsache, dass Resnais diese unantastbare Verwirrung einfach versteht, anstatt zu versuchen, sie zu beheben, macht Hiroshima mon amour zu einem der großen Meisterwerke des Kinos.

23. Random Balthazar (1966)

Robert Bressons trostloses Meisterwerk ist eine Gefühlsübung. Es lenkt davon ab, einen klaren Protagonisten oder ein zentrales Thema zu definieren, es sei denn, Sie zählen die wundersame Kraft der Natur, die Balthazar ist, und wenn Sie den Film auf den Nennwert bringen, tun Sie dies nicht. Wenn Sie ihm jedoch erlauben, Ihr Zugangspunkt zur emotionalen und thematischen Landschaft des Films zu sein, ist es schwierig, unbelohnt davon zurückzukehren. Balthazars eigenartiger, schlanker und cooler visueller Stil wirkt im Nachhinein fast glamourös. seine ruhige Zerbrechlichkeit war von einem resignierten, einzigartig weisen Gefühl der Kontrolle umgeben. Sogar seine greifbare Ehrlichkeit verbirgt eine studierte Anstrengung, sich ein wenig zurückzuhalten, in seiner Einfachheit der Einstellung und des Charakters einen Reichtum zu nähren, der dem Publikum überlassen bleibt, um ihn zu entdecken und in einigen atemberaubenden Fällen vorzustellen. Weil die Schauspieler so wenig über ihre Lage sprechen, erleben wir die zufälligen, unvernünftigen Grausamkeiten und spüren die erstickende TraurigkeitzumSie. In einer Form, in der selbst die versiertesten Künstler nur darauf abzielen, die Sinne des Betrachters zu stärken, indem sie sich an das Bewährte halten, lieferten mir Bressons Bilder eine lyrische Vorlage, auf der ich das Ausmaß meines Mitgefühls aufbauen und sogar beurteilen konnte, wie bewusst dieses Mitgefühl ist .

All dies bringt mich zurück zu meinem ursprünglichen Gedanken. Die Bedeutung für jeden Moment in „Balthazar“ hängt nicht davon ab, ob wir davon ausgehen, dass es sich bei seinem Inhalt um Allegorien sozialer oder sogar politischer Natur handelt, sondern davon, wie sie uns machenGefühlindem sie ihre Komplexität und Ruhe genießen, anstatt sich auf die sinnlose Darstellung zu verlassen, auf die die meisten Filme zurückgreifen. Es macht also durchaus Sinn, dass der Protagonist der gleichnamige Esel ist.

22. Andrei Rublev (1966)

Ich glaube, 'Andrei Rublev' ist das beste Beispiel für das Konzept des russischen Autors Andrei Tarkovsky, rechtzeitig zu formen. Viele seiner letzteren Arbeiten waren abstrakt, da er sich mit unglaublich persönlichen Themen und Visualisierungen befasste, die über Zeiträume verteilt waren. Mit „Andrei Rublev“ hat Tarkovsky die Zeit selbst eingefangen und sie dann mit den tiefsten Farbtönen der Seele eines Künstlers gestreichelt. Tarkovsky ist wahrscheinlich der einzige Filmemacher, der die höchste Leistung bei der Darstellung der Unterdrückung eines Künstlers erzielen konnte. Er untersucht die Unterdrückungsregime Russlands, die im Land ebenso einheimisch sind wie seine tiefgründige Literatur, die überraschenderweise die zwingendsten Fragen in Bezug auf das Geistige und Metaphysische in Frage gestellt hat. Viele der späteren Merkmale von Tarkovsky, einschließlich des Filmens des Flusses der Natur, können auf Andrei Rublevs Reise beobachtet werden. Es ist ein Film, der dich filmt, dich zerschmettert und zum Nachdenken bringt - sowohl während des Films als auch lange nachdem die Credits gerollt sind.

21. Das Abenteuer (1960)

Wie denkst du über ein ungelöstes Rätsel? Oder eine unvollendete Geschichte? Suchen Sie den Abschluss, indem Sie verzweifelt danach suchen? Oder akzeptieren Sie die Fakten und fahren dann fort? Geht es in diesem Leben nicht nur darum? Kompromisse eingehen und weitermachen? Der Film 'L'Avventura', der Michelangelo Antonioni weltweit Anerkennung verschaffte, handelt von einer jungen Frau, die während einer Yachtreise über die Küste Siziliens verschwindet. Die Suche nach ihr bringt ihren ehemaligen Liebhaber und besten Freund zusammen und eine verstörende Beziehung beginnt. Während sich die Geschichte um die Suche nach einer vermissten Frau dreht, besteht ihr wahrer Zweck darin, eine Erzählung zu konstruieren, ohne sich auf ein Großereignis zu konzentrieren und dennoch das Publikum zu fesseln. Die wahren Motive der Hauptfiguren werden nie vollständig erklärt und am Ende des Films muss der Betrachter akzeptieren, dass einige Ereignisse ungeklärt bleiben, genau wie das Leben. Ein unbestreitbares Meisterwerk!

20. Atemlos (1960)

Lange bevor Quentin Tarantino seinen Weg in die amerikanische Indie-Szene mit seiner wild eigenwilligen Herangehensweise an das Filmemachen bahnte, die den Fokus des Stils über die Substanz verstärkte, gab es diesen Mann namens Jean Luc-Godard, der die traditionellen filmischen Grammatiken furchtlos aufnahm und sie rücksichtslos brach Filme, wie wir sie heute sehen, mit einem Film namens 'Breathless' neu definieren und gestalten. Vielleicht hat es kein anderer Film geschafft, den flüchtigen Wahnsinn der Jugend auf eine Weise einzufangen, die „Breathless“ mit seiner rücksichtslosen Energie und berauschenden Stimmung tut. Die verrückte Verwendung von Sprungschnitten berauscht den inhärenten Wahnsinn der Prämisse, da Godard Sie heftig von seinen Charakteren ablenkt und Sie auffordert, sich auf die fragmentierten Aspekte der Handlung anstatt auf die gesamte Geschichte zu konzentrieren. 'Breathless' ist eines der wichtigsten Filmdebüts in der Kinogeschichte und polarisiert zwar weiterhin Cinephile und Kritiker, aber der Einfluss, den es auf das moderne Kino hat, lässt sich nicht leugnen.

19. Sieben Samurai (1958)

Akira Kurosawa ist einer der originellsten, einflussreichsten und referenziertesten Regisseure, die je gelebt haben. Roger Ebert sagte einmal über Kurosawa: 'Es könnte argumentiert werden, dass dieser größte Regisseur Actionhelden für die nächsten fünfzig Jahre angestellt hat', und er hätte nicht wahrer sein können. Sergeo Leones 'A Fistful Of Dollars', aus dem das Spaghetti-Western-Genre hervorgegangen sein soll, wurde von Kurosawas 'Yojmbo' inspiriert. Auch unser aktueller Beitrag ist eine technische und kreative Wasserscheide und hat unzählige direkte Nacherzählungen inspiriert. sowie viele visuelle Elemente im modernen Kino . Das epische Drama erzählt die Geschichte von siebenRonin(meisterlose Samurai), die Waffen ergreifen, um eine arme Zivilisation zu verteidigen, die keinen Platz mehr für sie hat, Banditen im Japan des 16. Jahrhunderts zu überfallen, was in einem heftigen Klimakampf gipfelt. Die Brillanz von 'Seven Samurai' liegt jedoch in der Tatsache, dass es eine Vielzahl von gut gemachten Geschichten erzählt, die sich über verschiedene Genres hinweg mit dem Hauptdrama erstrecken. Überall im Film sind Elemente von Action, Abenteuer, Romantik und Erwachsenwerden präsent. Es besteht auch aus Charakteren, die so reich entwickelt sind wie ein seltenes Steak, das später zu Grundnahrungsmitteln mehrerer Genres wird. Wirklich ein inspirierendes Kunstwerk.

18. Der Baum des Lebens (2010)

'Der Baum des Lebens' ist die höchste Form des Kinos: Es erzählt keine Geschichte, sondern zielt darauf ab, Ihr Leben zu verändern. Es ist ein Film, der einige Zeit braucht, um auf Ihnen zu wachsen, und wenn dies der Fall ist, werden Sie Schwierigkeiten haben, nicht ständig darüber nachzudenken. 'The Tree of Life', ein filmisches Gedicht von außergewöhnlichem Umfang und Ehrgeiz, fordert sein Publikum nicht nur auf, zu beobachten, sondern auch zu reflektieren und zu fühlen. Im einfachsten Fall handelt es sich um die Reise, sich selbst zu finden. In seiner komplexesten Form ist es eine Meditation über das menschliche Leben und unseren Platz im großen Schema der Dinge. Es spielt keine Rolle, an welchen Glauben Sie glauben oder ob Sie überhaupt an eine höhere Einheit glauben. Das wahre Gefühl der Verwunderung im Film entsteht aus der Magie, die das Leben selbst ist. Das Schönste am Film ist, dass er mit der Zeit immer besser wird, wie ein guter Wein.

17. Nahaufnahme (1990)

Der verstorbene große iranische Autor Abbas Kiarostami sah oft Schönheit und Poesie in den absurdesten alltäglichen Episoden menschlichen Lebens. Mit täuschend einfachen Handlungen und naturalistischen Einstellungen erkundete Kiarostami universelle Themen, die kulturelle Barrieren aufgrund der Art von Menschlichkeit, in die sein Kino von Natur aus eingebunden war, nahtlos überwanden. 'Close Up' ist wohl sein vollendetstes Werk und eines der originellsten, erfinderischsten Werke der jemals produzierten Filmkunst. Der Film hat die Form einer Doku-Fiktion, um den realen Prozess eines Mannes aufzuzeichnen, der sich als iranischer Filmregisseur Mohsen Makhmalbaf ausgab. Die Besetzung umfasst Personen, die tatsächlich an dem Prozess beteiligt waren und sich selbst im Film spielten. 'Close Up' ist eine erstaunliche Erforschung der menschlichen Identität, die mit den Augen eines gewöhnlichen Mannes gesehen wird, der darum kämpft, mit sich selbst und seinem Leben umzugehen. Aus verzweifelter Traurigkeit und echter Liebe zur Kunst des Kinos tritt er in die Fußstapfen seines Idols wissen, wie es sich anfühlt, wirklich lebendig, bewundert und respektiert zu sein. Dies ist Filmemachen auf höchstem Niveau.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Brüssel (1975)

Dieses französische Avantgarde-Feature mit Delphine Seyrig als Titelfigur ist kein bloßes Kinoerlebnis. Es ist näher an einer Übung - einem Test - und beeinflusst Sie auf eine Weise, wie es nur wenige andere Filme zuvor oder seitdem getan haben. Das unabhängige Stück konzentriert sich auf drei Tage im Leben einer einsamen, unruhigen Hausfrau, während sie ihren strengen Zeitplan durchläuft, der mit alltäglichen Hausarbeiten gefüllt ist. Sie ist Mutter und Witwe und leistet abends Sexarbeit für Herren, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Probleme entstehen, wenn am zweiten Tag ihre Routine leicht gestört ist, was zu einer Art Dominoeffekt führt, der sich in den folgenden Stunden widerspiegelt.Jeanne Dielmanzieht einen in seine langsame und meditative Welt mit Akermans unverwechselbarer Regie-Signatur, die diegetische Atmosphäre und eine hypnotische Aura beinhaltet, die durch die ruhige, subtile und geduldige Persönlichkeit des Meisterwerks hervorgerufen wird, was eine schmerzhafte Feier der Monotonie der Existenz ist.

15. Rashomon (1950)

Als eines der unkonventionellsten und experimentellsten Stücke des Filmemachens seiner Zeit beobachtet Rashomon den Meister bei der Arbeit und setzt alles daran, um Geschichten zu erzählen. Einfach ausgedrückt handelt es sich um einen Bericht über einen Vorfall, der sich aus vier völlig unterschiedlichen Blickwinkeln ereignete: denen der Angeklagten, den Opfern und denjenigen, die behaupten, Augenzeugen zu sein. Es zeichnet sich aus allen technischen Gründen durch nahezu fehlerfreie Bearbeitung und meisterhafte Regie aus, aber der Film sichert sich seine Siege bei den thematischen Fragen, mit denen er sich befasst. die Fragen nach der Existenz einer absoluten Wahrheit. Ist die Wahrheit wirklich so objektiv und ungerecht, wie man es sich vorstellt, oder gibt es eine damit verbundene Subjektivität? Normalerweise ist es objektiv oder wird zumindest allgemein als scheinbar ohne andere Versionen davon angesehen. Dieser Film hinterfragt es so, dass der Betrachter selbst mit Fragen verärgert ist und häufig kommentiert, wie Menschen manchmal nicht ganz ehrlich zu sich selbst sind. Es ist so thematisch komplex wie es nur geht, aber scheinbar so einfach, wie Sie es möchten.

14. Stalker (1979)

Wenn man seine kleineren Nachkommen, zu denen die äußerst erfolgreiche Fernsehserie 'Westworld' gehört, in Schach hält, kann der kolossale Einfluss von 'Stalker' auf das visuelle Geschichtenerzählen nicht genug betont werden. Ideen - philosophisch, spirituell und wissenschaftlich - sowie ihre geschickte, glorreiche filmische Erforschung in „Stalker“ haben ihre Eindrücke in vielen Science-Fiction-Filmen gefunden, die danach folgen werden. Es sind nicht so sehr das Gleiten, Trance-induzierende und punktuell abstrakte Tempo oder die seelenerregende Verwendung von monochromatischem Sepia außerhalb der „Zone“ und die Prägungsfarben der Orte in Estland, die sich in der Arbeit von Filmemachern wie widerspiegeln Terrence Malick und Lav Diaz, um nur einige zu nennen, aber die anhaltende Geduld und Demut. Tarkovsky übergibt die philosophischen Regentschaften weitgehend dem Publikum und lässt den Zuschauern so viel Raum, um mehrere metaphysische Facetten des Films für sich zu entdecken, dass selbst seine konkurrenzlose wörtliche und visuelle Poesie ebenso eine Erfindung unserer Erfindung wie seiner zu sein scheint und seine Mitarbeiter. Und doch bleibt der Film fern und führt uns in die unergründlichen Geheimnisse des Verstandes und des Herzens, und wir werden sie niemals enträtseln, weil der gerade Weg niemals der richtige ist.

13. Fanny und Alexander (1982)

Fast 35 Jahre nach seiner ersten Veröffentlichung ist Bergmans letzte Regie genauso faszinierend zu sezieren wie für Kritiker auf der ganzen Welt, die alle zu kämpfen schienen, um sicherzustellen, dass ihre Meinung dazu gehört wurde. Diese Meinungen waren viel spaltender als heute, aber der Platz des Films in Bergmans Filmographie scheint immer noch schwer zu definieren. In Ton, Struktur und Größe ist es anders als alles, was Bergman bis dahin getan hatte. Es ist aber auch eine unbestreitbare Verschmelzung all seiner thematischen und visuellen Instinkte, die sich in diesem lebensbejahenden Wandteppich einer Familie zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Schweden kreuzten. Sein malerischer Überschwang scheint Ihre ganze Aufmerksamkeit auf den ersten Blick zu lenken, mit seinen tiefgreifenden Variationen von Rot-, Grün- und milden, warmen Gelbtönen, die eine so berauschende Farbpalette bilden, dass seine Abwesenheit - wenn alles in Weiß, Schwarz und hartes Blau gehüllt ist - scheint strafend. Bergmans sorgfältig gestaltete Chroniken strahlen den Schwung eines Familienpicknicks aus und besitzen die Vertrautheit menschlicher Bindungen, die jahrzehntelang durch echte, zerbrechliche Zuneigung zusammengehalten werden. In dieser großzügig wiedergegebenen Darstellung von Leben sind Geburt und Tod zufällig. In der kleinen Welt, in der diese Charaktere, wie die meisten von uns, leben, sind Umfangsfreuden alles, worauf man hoffen kann, und sie sind genug für sie, wie sie für uns sein sollten. Ist das alles eine Illusion? Man könnte meinen, wenn man sieht, wie dieses gigantische Ensemble solche Wunder vollbringt. Wenn ja, glauben Sie mir, Sie möchten nicht, dass es zerstört wird.

12. Apocalypse Now (1979)

Es gibt Kriegsfilme, die die Feinheiten der Kriegsführung zeigen (wie 'Enemy At The Gates'), einige andere, die die Vorstellung davon tadeln und verabscheuen (wie 'The Pianist'), und dann gibt es die kühne 'Apocalypse Now', die Nein bietet Meinung oder Schlussfolgerung, sondern eine grafische Darstellung der Schrecken des Krieges, während die Soldaten, die daran teilnehmen, verherrlicht werden. Bis heute tobt die Debatte darüber, ob „Apocalypse Now“ für den Krieg oder gegen den Krieg ist. Liebe es oder hasse es; Das ist sicher, dass Sie sich daran erinnern werden. Francis Ford Coppolas Final Cut, eine der problematischsten Produktionen in der Geschichte Hollywoods, endete mit seiner technisch brillantesten Arbeit. Die bloße Prämisse ist einfach: Kapitän Willard muss „mit extremen Vorurteilen enden“. Oberst Kurtz, der feindliches Gebiet betreten hat und AWOL geworden ist. Aber es ist Willards schwächende Reise über Vietnams erschütternde Schlachtfelder (erhöht durch Vittorio Storaros atemberaubende Kinematographie), die weit nach dem Abspann in Erinnerung bleibt. Mit einer denkwürdigen Szene nach der anderen und definitiven Auftritten von Martin Sheen als Willard, Marlon Brando als Kurtz und Robert Duvall als 'Napalm-Enthusiast' Oberstleutnant Kilgore, 'Apocalypse Now', wie Coppola zu Recht sagte, 'geht es nicht um Vietnam. Es ist Vietnam “.

11. Die 400 Schläge (1959)

François Truffauts 'The 400 Blows' ist ein wahres Kunstwerk, das aus echtem Schmerz stammt. Als wahrhaft aufrichtiges und zutiefst persönliches Werk widmete Truffaut den Film seinem spirituellen Vater und dem international anerkannten Filmtheoretiker André Bazin. Truffauts eigene Kindheit war von Natur aus autobiografisch beunruhigt, und das spiegelt sich sehr deutlich im Film wider. Äußerlich handelt der Film von Jugend- und Jugendkriminalität, die häufig von gesellschaftlicher und elterlicher Vernachlässigung getrieben wird. Wenn Sie etwas tiefer schauen, finden Sie einen Film über die Hoffnung. hoffe, das ist sowohl intensiv als auch therapeutisch. Antoine Doinel, der Protagonist, ist in gewisser Weise eine starke Repräsentation der Gesellschaft selbst, einer Gesellschaft, die ihre eigenen Fehler hinter Regeln, Strafen und Urteilen verbirgt. Der Film fließt wie ein Fluss und nimmt das Publikum mit auf eine Reise der Hoffnung, Verzweiflung, Empathie und sogar des puren Zorns. Wenn Sie jemals sehen wollten, wie ein Meisterwerk aussieht, sind Sie bei 'The 400 Blows' genau richtig.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch ist kein Filmemacher. Der Mann ist ein Träumer. Und 'Mulholland Drive' ist der größte Traum, den er jemals geträumt hat. Ein Traum, der jede Emotion einschließt, die die menschliche Existenz umfasst. Es ist schwierig, einen Film wie 'Mulholland Drive' zu erklären oder zu beschreiben, da es sich um einen Film über Erfahrung und das handelt, was Sie daraus ziehen, und nicht um eine Handlung, die auf einer konventionellen Erzählung basiert und Sie mit Antworten versorgt, die Sie gerne mit nach Hause nehmen könnten. Lynch hat oft gesagt, dass seine Vision für einen Film im Wesentlichen auf zahlreichen Ideen und Gefühlen beruht. Und dies wird zu einem Tor zum Verständnis eines Films, der so komplex und vielschichtig ist wie „Mulholland Drive“. Es ist ein Labyrinth aus Träumen, Ambitionen, Wünschen und Albträumen. Lynch weiß, was uns am meisten erschreckt und was uns zum Wahnsinn treibt. Und es ist diese verstörend intime Reflexion des menschlichen Unterbewusstseins, die 'Mulholland Drive' zu einem so zutiefst erschütternden Kunstwerk macht. Eine, die Sie mit einem Gefühl von Wärme und Zärtlichkeit umhüllt, bevor Sie direkt durch Ihren Schädel schneiden.

9. Fahrraddiebe (1948)

'Einfachheit ist die ultimative Raffinesse' - Leonardo Da Vinci. Eine der schwierigsten Aufgaben beim Filmemachen ist es, herauszufinden, wann Sie Ihren Film beenden müssen. Das Ende in Bicycle Thieves ist so klanglich mit dem Anfang synchron, dass wir von Antonio, einem alltäglichen Mann, der aus der Menge auftaucht, zu Antonio, einem alltäglichen Mann, der sich in der Menge auflöst, ausgehen. Das Leben im Rom der Nachkriegszeit hatte sich jeden Tag in einen Kampf verwandelt, und es gab kaum jemanden, der aus diesem Sumpf des Elends etwas gemacht hatte. Es gibt nur sehr wenige Filme, die eine so tiefe Selbstbeobachtung bieten wie Fahrraddiebe. Es ist ein Film, der Ihr Herz in Stücke bricht und Sie dennoch dazu inspiriert, das Leben in vollen Zügen zu leben. Selten ist ein Film, der in seiner Prämisse so einfach ist, in seiner Botschaft so brillant wirksam. Es ist praktisch unmöglich, den Film zu vergessen, wenn Sie ihn einmal gesehen haben. Die größte Errungenschaft des Films liegt jedoch darin, wie viele unabhängige Filmemacher ihn inspiriert haben, die bis heute „Fahrraddiebe“ als Inspiration zitieren.

8. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' ist das, wonach jeder Filmemacher strebt, der eine bedeutungsvolle Geschichte erzählen möchte. Offensichtlich sind alle zu kurz gekommen! Es gibt kein besseres Beispiel für einen Film, der eine epische Geschichte so einfach, aber meisterhaft, effektiv und unvergesslich wiedergibt. Mit „Tokyo Story“ hat Yasujiro Ozu etwas erreicht, das der Traum eines jeden lebenden Filmemachers ist: für immer im Herzen und Verstand des Publikums zu wohnen. Jeder, der 'Tokyo Story' gesehen hat, wird wissen, wovon ich spreche. Der Film erzählt die Geschichte eines alternden, traditionellen japanischen Paares, das seine Kinder in Tokio besucht, um zu der harten Erkenntnis zu gelangen, dass ihre Kinder zu beschäftigt mit ihrem Leben sind, um für sie zu sorgen, und sich kulturell und emotional immens von ihnen entfernt haben . Was auch an dem Film so großartig ist, ist sein universelles Thema, mit dem sich jeder überall identifizieren kann. Der Filmstil von Ozu sorgt auch dafür, dass Sie in eine Geschichte vertieft sind, die tiefe Einblicke in die sich verändernde menschliche Psyche mit sich ändernden Zeiten bietet. Einfach genial!

7. In der Stimmung für die Liebe (2000)

'In der Stimmung für die Liebe' ist ganz einfach die größte Liebesgeschichte, die jemals gedreht wurde. Zeitraum. Es hätte so leicht ein Theaterstück oder sogar eine Poesie sein können. Mit wunderschönen, fesselnden Bildern und exquisiter, seelendurchdringender Musik erzählt „In The Mood For Love“ die komplexe Geschichte zweier einfacher Personen. Zwei Individuen, die durch die Angst und den Reiz des Verliebens gehen; und einmal verliebt, der bloße Schmerz, es unvollständig zu lassen. 'In der Stimmung für die Liebe' zeigt die Liebe in ihrer verletzlichsten Form. Dabei zeigt es unsere eigenen Schwachstellen und wie hilflos wir vor der Liebe sind. Selten hat ein so zurückhaltender und zurückhaltender Film nach dem Anschauen einen solchen Einfluss.

Ich bin mir nicht sicher, ob Regisseur Wong-Kar-Wai beabsichtigte, den Film zu machen, den er gemacht hat, da er den Film meistens ohne Drehbuch gedreht hat. Wenn Sie sich die Geschichte ansehen, sind glückliche Unfälle die wichtigsten Kunstwerke. Zählen Sie 'In der Stimmung für die Liebe' zu ihnen.

6. 8 1/2 (1963)

Dieses schwüle, üppige Epos von Fantasien, Albträumen und einer allzu trüben Realität ist die Nummer achteinhalb in der Filmografie des italienischen Maestro. Es ist wie ein Biscotti - entschieden absurd in seiner Form und auf eine Weise gebacken, die es nicht erlaubt, es vollständig zu verschlingen ein Versuch. Seine schreckliche, unruhige Kameraarbeit ergänzt Fellinis bewusste Vision eines Filmemachers, der versucht, die vielen sich verändernden Erfahrungen, die er im Laufe seines verknoteten Lebens in seinem neuen Film gemacht hat, zu kanalisieren. So halbautobiografisch es auch sein mag, '8 1/2' weht mit all seiner hinreißenden Komplexität in einem so radikalen Tempo an seinem Publikum vorbei, dass ich versuchte, seine scharfsinnig komponierten Bilder zu dekonstruieren, um meinen eigenen Platz in zu finden Fellinis hoch aufragende Spezifität, konnte aber nie fest auf dem Boden landen.

Fellinis schiere Elektrizität kann überwältigend sein, wenn er die schattigen Gravitas von Marcello Mastroianni ausnutzt. Sie halten an Ihrer Wahrnehmung eines bestimmten Moments fest und erkennen seinen schwülen Reichtum, nur um festzustellen, dass der Filmemacher zu einer anderen flatternden, köstlich ausgeglichenen Sequenz übergegangen ist. Seine Vorstellungen von Künstlern und ihrer verwirrenden, lächerlichen Besessenheit mit sich selbst mögen veraltet - oder schlimmer noch irrelevant - erscheinen, aber die Kühnheit ihrer Konstruktion und ihres Ausdrucks geht uns nie verloren. Es verzaubert und verführt uns, erlaubt uns nie, unsere Augen davon abzuwenden und rutscht dann durch unsere Finger, als uns klar wird, dass wir es nie im Griff hatten. Fellini unterscheidet sich nicht wesentlich von der hellseherischen Maya im Film, die zu wissen scheint, was alle denken: eine Fähigkeit, die ihre Assistentin der Telepathie zuschreibt. Als unsere Protagonistin Guido die Assistentin fragt, wie sie das macht, bemerkt er deutlich: 'Es ist teils ein Trick, teils real. Ich weiß es nicht, aber es passiert. ' Keine Worte könnten passender sein, um den Film mit zu beschreiben.

5. Person (1966)

Person

Ich denke, man kann mit Sicherheit sagen, dass 'Persona' das Kino im Alleingang gebrochen hat. Ingmar Bergmans Klassiker von 1966 ist ein Horrorfilm an der Oberfläche und mehr eine Untersuchung der individuellen Identität als alles andere. Dieser Film nutzt innovative Schnitttechniken, scharfe Kamerawinkel, kalte Ausdrücke, eindringliche Dialoge und eine großartige Regie und erzählt auf möglichst zweideutige Weise die Geschichte einer berühmten Schauspielerin, die ihre Stimme verliert, und der Krankenschwester, die sich um sie kümmert in einem abgelegenen Zuhause, wo ihre unverwechselbaren Persönlichkeiten langsam miteinander verschmelzen. Als das 'filmischste' Unterfangen des Regisseurs stellt 'Persona' sicher, dass jede konventionelle Regel des Filmemachens verdreht wird, um eine frische und spannende Erfahrung hervorzubringen. Mit einigen der besten Schauspieler, die jemals auf Zelluloid gespielt wurden, hilft uns die Atmosphäre des Films, die Fragen zu schätzen, die wir dazu haben, indem wir unseren Fokus geschickt auf das Handwerk verlagern, das ins Spiel gebracht wird. Es gibt einfach nichts Vergleichbares wie 'Persona', und das könnte durchaus eine Tatsache sein.

4. Der Pate (1972)

Möglicherweise der einflussreichste Film, der jemals gedreht wurde. Eine der seltensten Anpassungen, die tatsächlich besser ist als das Ausgangsmaterial - in diesem Fall Mario Puzos gleichnamiger Roman -, hat der Film über die Jahrhunderte Bestand und ist ein Klassiker im wahrsten Sinne des Wortes, der mit jedem immer besser wird Anzeigen. Der Film zeichnet eine Mafia-Familie unter Don Vito Corleone auf und konzentriert sich auf den Übergang seines Sohnes, der nach dem Tod des Patriarchen das Familienunternehmen übernimmt. Ohne Zweifel sind Performances eine der Hauptstärken dieses Films. Größen wie Marlon Brando als Vito Corleone und Al Pacino als Michael Corleone definieren mit ihren Performances die Schauspielstandards neu. Alles andere, insbesondere das Drehbuch und die Kinematographie und Partitur für die Stimmungseinstellung, sind erwartungsgemäß A-Rate und Genre bestimmend. Zu Recht gibt es keinen Cinephilen, der dieses Meisterwerk eines Films nicht gesehen hat. Es ist der Altar, auf dem wir beten.

3. Citizen Kane (1941)

Der Heilige Gral des amerikanischen Kinos. 'Citizen Kane' definierte fast jeden Aspekt, der die Kunst des Kinos umfasst. Ein Film, der unzählige Konventionen des Filmemachens gebrochen hat, nur um neue zu schaffen. Von den bahnbrechenden technischen Details wie Beleuchtung, Ton und Bild bis hin zu seinem hochinnovativen Erzählstil hat „Citizen Kane“ die Art und Weise, wie Filme gemacht wurden, verändert. Der Film ist eine tiefgreifende Charakterstudie, die die Form eines Mysteriendramas annimmt und die Wahrheiten des Lebens eines rätselhaften Verlagstycoons enthüllt, dessen letztes Wort das Interesse eines Reporters geweckt hat. Er macht sich auf eine Reise und erkundet einen Menschen, der sein Leben einst mit rohen Ambitionen und Wünschen begann, aber bald den verführerischen Kräften der Gier und Autorität erliegen würde. 'Citizen Kane' ist ein immens mächtiges Kunstwerk, das sich intensiv mit tiefgreifenden Themen befasst und die unendlich komplexen emotionalen Facetten des menschlichen Lebens einfängt.

2. Der Spiegel (1975)

Könnte Kunst so persönlich sein, dass man sie nicht von ihrem Schöpfer unterscheiden kann? Diese Frage fiel mir auf, als ich Andrei Tarkovskys 'The Mirror' zum ersten Mal sah. Dies ist ein Kunstwerk, bei dem sich der Künstler ganz seiner Arbeit hingibt, die Sie nicht zwischen ihm und der Arbeit, die er tut, unterscheiden können. Es ist fast so, als hätte Tarkovsky den gesamten Film geatmet. Autoren haben ihre Meisterwerke geschaffen und das Kino so verändert und gestaltet, wie wir es heute sehen, aber Tarkovsky hat einen Schritt darüber hinaus getan und das Unerreichbare erreicht. seiner Kunst Leben geben. 'The Mirror' atmet nur Kino. Sie konnten Tarkovsky, seine Familie, die Kultur sehen, in der er aufgewachsen ist. Tatsächlich konnten Sie es schaffen, sich selbst darin zu sehen, Ihre Mutter, und es gibt dieses Gefühl von Deja Vu, das Ihnen in den Sinn kommt, wenn Sie diese Orte betrachten. Es ist fast so, als ob Sie dort gewesen wären, vielleicht im Leben oder in einem Traum, der irgendwo verloren gegangen ist. Und für einen Künstler ist es wirklich unbeschreiblich, etwas so Persönliches und Intimes zu schaffen. Es ist ein Film, der das untermauert, was wir immer wussten: Kino ist die größte Kunstform.

1. 2001: Eine Weltraum-Odyssee (1967)

Wie jeder andere Eintrag auf dieser Liste ist auch „2001“ eine Lektion im Filmemachen. Mehrere Filmemacher, darunter Christopher Nolan und Denis Villeneuve, haben darüber gesprochen, wie der Film ihre Inspiration war. Ja, der Film ist ein technisches Wunder. Aber das ist nicht der Grund, warum der Film diese Liste mit so vielen großartigen Filmen anführte. Es befindet sich oben, weil es ein Film ist, der es gewagt hat, an einen Ort zu gehen, an dem noch kein Film zuvor gedreht wurde. Zur Hölle, niemand wusste, dass es einen solchen Ort gibt, an den das Kino gehen kann. Und wenn die Kunst des Kinos jemals einen Grund oder einen Beweis brauchte, um zu bestätigen, dass ihr Existenzzweck viel mehr als bloße Unterhaltung ist, dann ist es hier: die absolut überzeugende und höchst mythische „2001: A Space Odyssey“.

Stanley Kubrick erweiterte mit fast allen seinen Filmen den Horizont des Kinos. Mit '2001: A Space Odyssey' gab er auch dem, was Kino erreichen kann, eine neue Bedeutung. Die Mehrheit der Filmemacher nutzt das Kino als Medium, um eine Geschichte zu erzählen. Aber Kubrick benutzte das Kino, um Fragen zu stellen. Was hat er gefragt? Alles, von Gott bis zum Zweck unserer Existenz. Während '2001: A Space Odyssey' ein hochintelligenter Science-Fiction-Film für sich ist, ist es auch so viel mehr. Ich glaube, es ist ein Film, der eher eine philosophische Suche ist, um festzustellen, ob Gott existiert. Sprechen Sie über das Ziel hoch!

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